Machismo y Lang por José Luis Vázquez

Machismo y Lang por José Luis Vázquez

Chris, alegre y sintiéndose solo, sale del local a la calle acompañado por un compañero de trabajo, después de ver como su jefe marchaba de la cena con una joven muy guapa que podría pasar por su hija. A Chris acaban de agasajarlo y regalarle un reloj de oro por la lealtad a la Compañía para la que trabaja como cajero desde hace 25 años, con un sueldo mísero. Llueve, acompaña a su amigo al autobús y él continúa andando.

En la acera de enfrente, un hombre maltrata a una mujer. Se dirige hacia allí y golpea al individuo con el paraguas, después llama a un policía. No ha reconocido al maltratador, pero la chica, una joven atractiva llamada Kitty le muestra su agradecimiento y le permite acompañarla a su casa y toman un café (en realidad, ella lo cambia por una copa). Él, llevado por la euforia, le dice que es pintor, una afición que le funciona como válvula de escape.

Chris, es un hombre maduro, sin hijos, cumplidor, tímido, lento, inocente, rutinario y algo sombrío. Hace cinco años que está casado con Adele, una mujer autoritaria, antipática, chismosa y egoísta. En el comedor tienen la foto en grande de su primer marido. Él es un marido infeliz.

Kitty, a la que su novio Johnny llama Perezosa, es una buscavidas. Su novio es manipulador, sin escrúpulos, violento y se comporta con ella como un chulo. A Kitty nada parece importarle, salvo que Johnny la ame.

Johnny manipula a Kitty para que consiga sacarle dinero a Chris. El cómo no le importa. Ella piensa que es un pintor famoso y que le dan mucho dinero por sus cuadros.

Chris roba a su mujer y luego a su Compañía para complacer a la joven de la que se ha enamorado.

 Johnny descubre que los cuadros de Chris son valiosos y hace pasar a Kitty por la pintora. Ganan mucho dinero: compran joyas y un auto espectacular.

Kitty cada vez esta más incómoda, Chris le ha pedido matrimonio.

Johnny le da una ostia a Kitty y le dice: “Es el único lenguaje que entiendes”. Ella entra en razón y continúan con el engaño.

Un día Chris, va al apartamento que le está pagando a Kitty, para pedirle matrimonio, al descubrir que su boda no fue legal, dado que el primer marido de su mujer todavía vive. Encuentra a Johnny y Kitty juntos haciéndose cariños: la tierra se abre a sus pies. Huye.

En la Compañía descubren el desfalco y lo despiden. Regresa al apartamento y, en un arrebato, mata a Kitty con el punzón de partir hielo. Todas las pruebas incriminan a Johnny, que es llevado a juicio, condenado a muerte y ejecutado. Chris se queda a solas con su conciencia. Intenta ahorcarse.

Este relato podría corresponder a cualquier episodio de violencia machista con resultado de muerte que con tanta frecuencia suceden en España y en muchos otros países. Una crónica de abusos, violencia de género física y emocional, manipulaciones y sumisión, todo en nombre del amor. Pero no. Es el guion de una película. En inglés se llamó “Scarlet Street”, en francés “La Rue Rouge” y en castellano “Perversidad” o “Mala Mujer”, lo cual ya dice mucho de la mentalidad de los traductores y distribuidores.

Una película del año 1945, de Fritz Lang, cuya acción transcurre en Nueva York en el año 1934.

La película es un remake de otra anterior del año 1931, francesa, de Jean Renoir (su segunda película sonora), titulada “La Chienne”, en castellano “La Golfa” o “La Perra”. Se quedaron descansados con el título.

 El guion que utilizó Fritz Lang era de Dudley Nichols, pero ambas películas, la de Lang y la de Renoir, están basadas en una novela del escritor Georges de la Fouchardière. En los años cuarenta, Andrè Mouézy-Éon  hizo una pieza teatral.

perversidad
la chienne

Lang nació en 1890 en Viena. Murió a los 86 años en Beverly Hills. Nacionalizado alemán, hijo de arquitecto y judía, estudió arquitectura.

Con el ascenso del Partido Nazi en 1933, comenzó a trabajar en Hollywood, después de huir de Alemania tras una conversación con Goebbels, que le ofreció colaborar con los nazis.

Lang hizo largos viajes por numerosos países mientras fue joven. Fue herido durante la primera guerra mundial. Su primera mujer se suicidó en 1920: se ignoran las causas, que él nunca quiso revelar. Se volvió a casar, con una escritora que le hizo varios guiones para películas que él dirigió. La dejó cuando abandonó Alemania.

Los actores de “Perversidad” están brillantes, cada uno en su papel, llenos de matices. Fueron Edward G. Robinson, que encarna al anodino Chris Cross, Joan Bennet, que da vida a la ingenua y sumisa Kitty March y Dan Duryea, que interpreta al malvado Johnny Price. Los tres actores también fueron protagonistas de la película anterior de Lang, la mencionada “La mujer del cuadro “(The Woman in the Window), en la que también conforman un trío, donde ella, como siempre, es la mujer fatal, la causa y motivo de que los hombres maten por su atractivo y sensualidad.

“Perversidad” es una película de atmosfera agobiante, casi de pesadilla, melancólica y, a ratos, desgarradora.

 La liturgia de los maltratos con resultado trágico, está llena de muerte de mujeres tras el abandono o el intento de abandono del maltratador (pareja, amante, marido o “tindero”). Luego, tras perpetrar la ceremonia del sacrificio, la cobardía de afrontar las consecuencias o el peso abrumador de la conciencia, lleva al criminal a suicidarse.

En “Perversidad”, ya en el año 1945 (o en 1931, cuando se escribió la novela), el guion era el mismo: el machismo imperante lo contaminaba todo, lo distorsionaba todo. Reparemos en los títulos que se les dieron a las películas al traducirlos. No fue “Mal hombre” fue “Mala mujer”, que además era la víctima. O “La Golfa” o “La Perra”.

 Película recomendable para todos los públicos, en especial para jóvenes. 

Jose Luis Vázquez

Jose Luis Vázquez

Escritor

Estudió Ciencias Económicas en la Universidad Central de Barcelona y cursó un máster en Dirección de Marketing en EADA.

Ha trabajado como directivo financiero y de logística en varias empresas de logística y alimentación.
Ha realizado numerosos viajes de aventura por los cinco continentes, ascendiendo montañas, conviviendo con tribus y cruzando ríos y mares.

Le encanta el cine, y los wésterns en particular.
Lector empedernido: novela, historia, ciencia y filosofía.
Cursó tres años de Narrativa y Novela en la prestigiosa Escola d’Escriptura del Ateneu de Barcelona.
Ha publicado dos libros: Clara y algo más, de cuentos, y La memoria en color, autobiográfico.
Barrabás el Sicario es su primera novela.

Entrevista

Yo prefiero a Josefina

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Yo prefiero a Josefina por José Luis Vázquez

Yo prefiero a Josefina por José Luis Vázquez

Marie Josèphe Rose Tascher de la Pagorie   nació en 1763 en Martinica, perteneciente a las Antillas Menores. Un antepasado suyo había sido el primero en establecer una colonia francesa en la isla. Su familia poseía 500 hectáreas de tierra y numerosos esclavos. Eran ricos. Se educó en un colegio de monjas.

Una tía, que vivía en París con un aristócrata, quiso casar a una hermana de Marie con el hijo de su marido, pero la chica murió de tuberculosis. En su lugar, su familia decidió enviar a otra hermana de 11 años, pero la niña enfermó y no pudo viajar. Para no perder la oportunidad que ofrecía este matrimonio, los padres de Marie, decidieron enviarla a ella. Unos años antes, en 1776, un huracán arrasó la isla y destruyó gran parte de las propiedades de la familia de Marie. Su padre, que era ludópata, acabó de arruinar a la familia.

El matrimonio de Marie con Alejandro de Beauharnais,  vizconde, era la solución a los problemas económicos familiares. Ella tenía 17 años y él 20.

El matrimonio tuvo dos hijos y se divorciaron en 1783, cuando Marie tenía 24 años. Él pasó, la mayor parte de los siete años casado, viajando, solo vio a su mujer durante unos meses. La despreciaba por su falta de educación y por no saber escribir.

Alejandro de Beauharnais se veía con muchas mujeres, pero cuando su segundo hijo nació prematuramente, concluyó que eso había sido por alguna infidelidad de su mujer. Interrogó a sus conocidos para saber con quién había sido. No encontró pruebas fehacientes, pero al volver a su casa, se divorció de ella y la ingresó, junto a su hijo y su hija, en una abadía donde encerraban a mujeres como ella. Marie pasó penalidades, dado que él dejó de pasarle la mensualidad acordada. Además, sacó al niño de la abadía para que no estuviese rodeado solo de mujeres.

Marie era una mujer con un color exótico, con el cabello castaño, ojos marrones, esbelta, con curvas y la boca siempre cerrada: trataba de ocultar sus dientes negros y con caries, gastados de tanto comer y chupar caña de azúcar.

 En 1791, estando Marie en la casa familiar de Martinica, vivió la revolución de los esclavos.  Francia también produjo su revolución por las mismas fechas.

 En 1794, a su primer marido lo ejecutaron cortándole el cuello en la guillotina. A ella la arrestaron y la encerraron por sus vínculos contrarrevolucionarios; a punto estuvieron también de ejecutarla. De los 600 presos y presas que había cuando la ingresaron a ella, al soltarla solo quedaban 200.

A los 33 años, dos años después de salir de la cárcel, conoció y acabó casándose con Napoleón, de 27 años (en la película Napoleón, Joaquin Phoenix  parece que tenga 40). A este le gustaban las mujeres mayores, que además de dejarse joder le hicieran de madre: antes de casarse propuso matrimonio a otra mujer viuda que le doblaba la edad. Él dijo: “la naturaleza destinó a las mujeres a servirnos”.

 Ella mantuvo relaciones con otros hombres, que enfermaron de celos al emperador francés, encoñado con ella.

Su porte no era el de una dama, se conducía con costumbres aprendidas en su juventud en Martinica. Llamaba la atención por ser diferente, por ser atractiva y por su carácter.

Su primer marido la apuntó, para intentar domesticarla, a clases de ética y escritura.

 La falta de un heredero quebró la entente entre Napoleón y Josefina. “Las mujeres no son más que máquinas de producir hijos”, había dicho y, su mujer, intentaba llevarle la contraria.

 Napoleón no era un mujeriego al uso, tuvo pocas amantes, pero traicionó a Josefina varias veces: en una de ellas, lo pilló en una situación incómoda con una criada.

 En 1810, se divorciaron. Él ya había tenido dos hijos con otras amantes y se convenció de que el problema era ella.

 Josefina se retiró a un castillo de su propiedad. Se dedicó al cultivo de flores y rosas. Derrochó todo lo que pudo y más de lo que tenía, que era bastante.

 Después de la abdicación de Napoleón, Josefina se ganó la protección del emperador Alejandro I de Rusia.

 Murió de un resfriado mal curado.

 “Conviene que las mujeres no pinten nada en mi corte” había dicho Napoleón, que al enterarse de la muerte de Josefina manifestó: “La quise, pero no la respeté”.

desiree
entrevue de napoleon et du pape
los duelistas

Esta es una historia fascinante para llevar al cine. Pero no. Todos prefieren el punto de vista de Napoleón: arqueólogo (por lo de las mujeres mayores, incluidas las momias egipcias), temerario, sicopático, militar, engreído, criminal y machirulo, una joya.

 Se han rodado más de 30 películas sobre Napoleón o sobre Napoleón y Josefina. Incluso el magnífico Stanley Kubrick se quedó con las ganas de rodar una.

Marlon Brando rodó Desiree, en 1954.

La primera vez que salió Napoleón en el cine fue en 1897: “Entrevue de Napoleón et du Pope”.

En 1909 se rodó: Napoleón and the Empress Josephine.

Ridley Scott , en 1977, ya había filmado Los Duelistas. No contento, este año acaba de estrenarse su segunda película sobre Napoleón.

Lo primero que conviene decir es que Vanessa Kirby , actriz, se merienda en la pantalla a Joaquin Phoenix, actor. No me extrañaría que le dieran el Oscar; a pesar de que su dentadura es blanca y perfecta y la de la Josefina real era negra y con caries, cosas del cine y de la falta de rigor.

Otra cosa asombrosa es que la invasión de España y la derrota de las tropas napoleónicas no aparece ni por asomo en el relato. Hasta cierto punto es lógico. Ridley Scott es inglés, con 85 años y ejerce de Sir. Introducir la guerra en España no le encajaba en su relato: fueron los ingleses los que acabaron y humillaron a Napoleón. Para ello no tiene inconveniente en inventarse una escena, que nunca se produjo en la historia real, en la que el Duque de Wellington destierra a Napoleón en Santa Elena, después de vencerlo y, a punto, de atravesarle el cráneo de un disparo. En este sentido es aleccionador el resumen final de víctimas de Napoleón: una patadita en la moral de los franceses.

napoleón 2023

Por lo demás, la película seguramente será muy atractiva para los amantes de las batallas. Hay unas cuantas, rodadas con muchos medios, mucha técnica y escenas espectaculares, como la del hielo (no digo más por los que puedan estar interesados en verla).

Se han dicho tantas cosas y filmado tantas películas sobre Napoleón que resulta complicado sorprender al espectador. Es inexcusable y urgente que alguien haga una película y nos cuente la historia desde el punto de vista de Josefina: puede dar incluso para una serie.

 La película me dejó indiferente. Ni fu ni fa. A mí no me van las batallas. Nada tengo que ver con la inquina entre franceses e ingleses, que es de lo que se trata en esta película.

 Yo prefiero a Josefina: exótica, derrochadora y explosiva.

 Por cierto, no sé cuántos conocerán a la “JOSEFINA” real de RIDLEY SCOTT

 Nació en 1955 en Costa Rica, hija de abogado y político.

 A comienzos de los años 80 comenzó una aventura con Phillipe Junot, que arruinó la relación de este con Carolina de Mónaco. Poco después, conoció a Julio Iglesias con el que tuvo un idilio. Este le presentó a Miguel Bosé y se lió con él, durante cuatro años.

 En 2015, con 60 años, se casó con Ridley Scott, director de cine, con 77 años.

La primera película en la que trabajó con Ridley Scott fue White Squall . Desde entonces ha intervenido en casi todas las películas del director. En la última, Napoleón, es productora.

 Para finalizar, un comentario a propósito de la controversia que en algunos medios se desató al respecto de la falta a la verdad histórica por parte de Ridley Scott en esta película.

Una película no es buena ni mala por lo fiel que sea a la historia: se trata de cine. La película es buena o mala por la calidad cinematográfica del producto ofrecido.  Por la ambientación, por los diálogos, por las interpretaciones, por la música, por un guion trabajado, por la fotografía…, por todo aquello que hace que, en su conjunto, sea un espectáculo agradable ir a verla.

La verdad (si es que es posible atraparla), le corresponder decirla a los historiadores. Escritores de novelas o directores de cine hacemos ficción, con más o menos contexto histórico.

Jose Luis Vázquez

Jose Luis Vázquez

Escritor

Estudió Ciencias Económicas en la Universidad Central de Barcelona y cursó un máster en Dirección de Marketing en EADA.

Ha trabajado como directivo financiero y de logística en varias empresas de logística y alimentación.
Ha realizado numerosos viajes de aventura por los cinco continentes, ascendiendo montañas, conviviendo con tribus y cruzando ríos y mares.

Le encanta el cine, y los wésterns en particular.
Lector empedernido: novela, historia, ciencia y filosofía.
Cursó tres años de Narrativa y Novela en la prestigiosa Escola d’Escriptura del Ateneu de Barcelona.
Ha publicado dos libros: Clara y algo más, de cuentos, y La memoria en color, autobiográfico.
Barrabás el Sicario es su primera novela.

Entrevista

Luna de Flores

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Luna de flores por José Luis Vázquez

Luna de flores por José Luis Vázquez

Luna de Flores es el nombre que le dan los Osage  a unas plantas que aparecen en primavera en las llanuras de su tierra en Oklahoma. Es, además, la fecha en que comenzó el Reinado del Terror, en mayo de 1921.

Killers of the Flower Monn”, es el título de una novela de David Grann, que, en 2017, fue considerada la mejor novela, según The New York Times.

David Grann es un escritor de Best Sellers.

En 2009 publicó “Z La Ciudad Perdida”

En 2010 publicó “El viejo y la pistola y otros relatos de true crime”, llevada al cine por Robert Redford.

En 2023 ha publicado “A Tale of Shipwreck, Mutiny and Murder”, durante 26 semanas el libro más vendido en EEUU.

Killers of the moon
Z La ciudad perdida
el viejo y la pistola
A Tale of Shipwreck, Mutiny and Murder

La nación Osage tiene un idioma que es una rama de las lenguas Sioux. En el siglo XVII, ocupaban las tierras de Arkansas, Misuri, Kansas y Oklahoma.

Es una nación de hombres altos: pocos bajan de los 1,80 metros.

Vivían de la agricultura (básicamente cultivo de maíz) y de la caza del bisonte. También cazaban castores, osos y ciervos.

Fueron aliados de los franceses, en las guerras de estos, entre 1730 y 1740.

Guerrearon contra los españoles (1790-1794) y los derrotaron.

Entre 1870 y 1875 sufrieron una fuerte hambruna, que los diezmó, a consecuencia de la extinción del bisonte y de una plaga de langosta que acabó con la cosecha de maíz.

A partir de 1882 comenzaron a llegar hombres blancos a sus tierras en el condado Osage de Oklahoma.

 Población

1840……………. 5.000

1855……………. 3.500

1906……………. 1.988

1939……………. 3.672

1970……………. 5.000

Necesitaron 130 años para recuperar la población que habían tenido en 1840.

 En 1904 se descubrió petróleo en sus tierras: los problemas no hicieron más que aumentar.

En España acaba de estrenarse (finales de octubre 2.023), la película “Los asesinos de la Luna”, título que desmerece el significado del original en inglés.

 Desde 1870, el gobierno americano trasladó de sus tierras a otras tierras, sucesivamente, a los Osage, hasta que los instalaron en Oklahoma a principios del siglo XX. Muertos de hambre, descubren petróleo bajo sus pies. La película cuenta lo sucedido a partir de entonces, siguiendo las fechorías de dos personajes: King o Bill Hale (Robert de Niro), blanco, rico, sibilino y corrupto que teje una telaraña de asesinatos y corrupción, y Ernest Burkhart (Leonardo Di Caprio), sobrino, blanco, mentecato y que ayuda a su tío en las fechorías.

Los asesinos de la luna

Mollie Brown (Lily Gladstone, una actriz Osage), india, joven y rica, cae en brazos de Ernest.

Y hasta aquí puedo contar…los que quieran saber cómo continúa han de ir al cine.

La película, con guion de Martin Scorsese y Eric Roth, está basada en la novela de David Grann, que se dedicó a novelar acontecimientos que ya son historia de la Nación Osage.

Está producida, entre otros por el propio Martin Scorsese y Leonardo Di Caprio.

El coste de la película fue de unos 200 millones de dólares, casi lo mismo que el presupuesto anual de la Diputación de A Coruña.

La música es de Robbie Robertson, muerto el 9 de agosto de este año. Guitarrista y compositor de The Band. Asesor musical de M. Scorsese, para el que compuso la música de siete de sus películas.

La fotografía es de Rodrigo Prieto, que ya ha trabajado cuatro veces con este director, además de para Spike Lee, Oliver Stone, Alejandro G. Iñarritu, Ang Lee y Almodóvar.

Los actores son, como ya anticipamos, Leonardo Di Caprio, que es la sexta vez que trabaja con M. Scorsese, Robert de Niro, octogenario como el director, con el que ya ha participado en diez de sus proyectos, y Lily Gladstone, una actriz india.

La película dura más de tres horas. Esto no es malo ni bueno, pero en este caso, me pareció un metraje excesivo: hay escenas, como la del incendio, que con menos se hubiera dicho lo mismo.

La historia es simple, en cinco minutos se puede contar en detalle. La película se podría haber rodado con más o menos intensidad y “adornos” y, en este caso, Martin Scorsese se ha dejado llevar. El resultado es bueno, aunque siempre fui de la opinión de que menos, es más.

De Niro y Di Caprio están bien. Los dos con sus tics habituales, marca de la casa.

Lily Gladstone lo hace muy bien: contenida y expresiva, sin alardes.

La caracterización se podría haber mejorado muchísimo. No se ve el paso de los años en ninguno de los tres protagonistas.

El personaje de Di Caprio no está bien definido. Hay conductas o decisiones que el espectador intuye o deduce más que ver en la pantalla. Con más de tres horas de duración podría haberse descrito mejor la evolución del personaje.

La música y la fotografía funcionan a la perfección.

La novela, y la película después, son un intento de reparar una de las muchas injusticias que se han cometido con los nativos americanos.

Los Osage eran una nación patrilineal, sin reyes ni generales, donde el clan y las relaciones entre los de la misma tribu eran igualitarias, cooperativistas y solidarias y, donde las relaciones entre hombres y mujeres eran mucho más equilibradas que las que se daban entre blancos.

 Sin desmerecer el mérito de la película, su buena factura y el digno resultado, no veremos por ningún lado el papel que jugaron las petroleras, los magnates y el gobierno de los EEUU en el despojo y la desgracia de los Osage.

Hoy día, incluso para nombres tan consagrados como Martin Scorsese, hacer cine es una tarea tan gigantesca, con tantos intereses involucrados y tanto dinero en juego, que todo ha de estar perfectamente controlado, encajado y dentro de los márgenes de lo políticamente correcto.

 Vayan al cine, disfruten y saquen sus conclusiones.

Jose Luis Vázquez

Jose Luis Vázquez

Escritor

Estudió Ciencias Económicas en la Universidad Central de Barcelona y cursó un máster en Dirección de Marketing en EADA.

Ha trabajado como directivo financiero y de logística en varias empresas de logística y alimentación.
Ha realizado numerosos viajes de aventura por los cinco continentes, ascendiendo montañas, conviviendo con tribus y cruzando ríos y mares.

Le encanta el cine, y los wésterns en particular.
Lector empedernido: novela, historia, ciencia y filosofía.
Cursó tres años de Narrativa y Novela en la prestigiosa Escola d’Escriptura del Ateneu de Barcelona.
Ha publicado dos libros: Clara y algo más, de cuentos, y La memoria en color, autobiográfico.
Barrabás el Sicario es su primera novela.

Entrevista

O Corno

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Anatomie d’une chute  por José Luis Vázquez

Anatomie d’une chute por José Luis Vázquez

A veces ocurren los milagros: es lo que tiene el cine, que te puede sorprender y conmover con lo inesperado.

“Anatomía de una caída” es un milagro, una película portentosa donde todo funciona y la historia conmueve. Ciento cincuenta minutos sentado y atento atrapado por la magia de las imágenes. Un thriller-drama de este año pasado 2023, que resultó ser un año fértil en novedades y calidad.

 Hacía tiempo que el cine francés no producía una película tan soberbia, desacomplejada y profunda.

La directora es la joven de 45 años Justine Triet , actriz, guionista y directora francesa, que ya ha dirigido ocho títulos.

El guion esta coescrito con su marido Arthur Harari, también actor, guionista y director, de una familia de actores.

La fotografía es de Simon Beaufils.

Las interpretaciones son brillantes y llenas de matices, en especial Sandra Hüller  en su papel de Sandra (esposa, madre y bisexual) y Milo Machado, en su papel de Daniel, como hijo ciego. La interpretación de Milo es, sin duda, una de las grandes bazas de este film; muy acertada, contenida y, a la vez, dramática.

 El casting es acertadísimo, cosa poco frecuente hoy en día: además de los personajes principales, observar lo acertado de la actriz que interpreta a la jueza.

 La película ganó la Palma de Oro en Cannes.

Sinopsis: Una pareja de escritores, ella con éxito y el fracasado, viven con su hijo ciego en una buena casa aislada en los Alpes franceses.

Samuel, el marido, aparece muerto, después de caer desde la segunda planta donde tiene su estudio. Esto sucede después de un incidente el día anterior entre la mujer y una joven estudiante.

Aparentemente existen muchas dudas sobre si lo ocurrido ha sido un suicidio o un asesinato.

La mujer es juzgada y deberá defenderse de la agresiva estrategia del fiscal, que la acusa de la muerte de su marido. Hay muchos indicios en su contra.

 No conviene contar mucho ni dar muchas claves. En mi opinión, el juicio y el desarrollo de la historia están llenos de matices, sutilezas y aristas que conviene disfrutar visionando la historia, sin despistarse para no perder detalle.

anatomia dunha caida
anatomie d'une chute

En la película hay un perro que tiene una importancia fundamental en el desarrollo de la trama: hasta él lo hace bien, sin duda un mérito de la directora Justine.

 Como decía antes, conviene ir al cine, relajarse, dejarse llevar por las imágenes, en un paraje muy bello, nevado, frío y que la temperatura nos vaya subiendo por dentro, sin darnos cuenta, removiendo nuestras entrañas, cuestionando nuestros prejuicios, descubriendo los entresijos de un por qué y, finalmente, haciéndose la luz. Recomendable ir a ver la película con la pareja o con amigos y luego comentarla, mientras se toma una caña o un vino y se reflexiona sobre lo acontecido poco antes en la sala de cine.  De la conversación puede que salgan aspectos y detalles que nos pasaron desapercibidos o interpretaciones de lo sucedido diferentes, según el carácter de cada persona, con mayor o menor intensidad.

 La película figura en muchas de las listas sobre mejores películas del 2023 y, en esta ocasión, no puedo estar más de acuerdo.

Jose Luis Vázquez

Jose Luis Vázquez

Escritor

Estudió Ciencias Económicas en la Universidad Central de Barcelona y cursó un máster en Dirección de Marketing en EADA.

Ha trabajado como directivo financiero y de logística en varias empresas de logística y alimentación.
Ha realizado numerosos viajes de aventura por los cinco continentes, ascendiendo montañas, conviviendo con tribus y cruzando ríos y mares.

Le encanta el cine, y los wésterns en particular.
Lector empedernido: novela, historia, ciencia y filosofía.
Cursó tres años de Narrativa y Novela en la prestigiosa Escola d’Escriptura del Ateneu de Barcelona.
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Luna de Flores

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Planos largos por José Luis Vázquez

Planos largos por José Luis Vázquez

Mijail Kalatózov nació en 1903, en Tiflis, Georgia, luego Unión Soviética. En 1917 era un adolescente de 14 años que vio como triunfaba la Revolución Rusa. A los diecisiete años comenzó a trabajar en el cine revolucionario ruso en oficios varios, a veces como guionista y, a veces, como intérprete. Con 34 años terminó los estudios de Arte en Leningrado.

Hasta 1957, como casi todos los directores rusos, se dedicó a realizar trabajos propagandísticos. Ese año rodó “Cuando pasan las cigüeñas”. Ganó la Palma de Oro en Cannes al año siguiente y se convirtió en una celebridad.

En el año 1959 triunfó la revolución de Fidel Castro y el Che Guevara. La dictadura de Batista, al servicio de los americanos, fue sustituida por la dictadura de los Castro.

Cuando pasan las cigüeñas

En 1961 Castro descubre que es comunista y rompe con EEUU y se alía con la Unión Soviética.

 Los gobiernos cubano y ruso deciden rodar una película propagandística de la revolución cubana. Los rusos estaban, en aquel momento, vivamente interesados en exportar comunismo.

Le encargan el proyecto al director de moda y más famoso de la Unión Soviética: Mijail Kalatózov.

Kalatózov llegó a Cuba en 1962, mientras su gobierno estaba enviando misiles a Cuba para apuntar a EEUU, con la intención de familiarizarse con la realidad cubana y buscar localizaciones. Al año siguiente comenzó el rodaje que se prolongó por más de un año. Contó con todo el apoyo del gobierno de Fidel Castro.

El guion lo escribieron el cubano Enrique Pineda y el poeta soviético Yevgueni Yevtushenko . La música la compuso Carlos Fariñas y la fotografía fue de Sergei Urusevsky. La película se llamó “Soy Cuba” (I am Cuba)

soy cuba

Urusersky nació en 1908, tenía pues, cuando se rodó “Soy Cuba”, 55 años. Había sido también director de fotografía en “Cuando pasan las cigüeñas”. Antes había trabajado con Kalatózov en otras varias películas. Se conocían y compartían el gusto por la cámara subjetiva: hacer de la imagen algo activo, diferente.

 Fue un fracaso: en Cuba y en la Unión Soviética. Era poco revolucionaria, no hablaba del comunismo ni de sus bonanzas.

Martin Scorsese primero y, después, Francis Ford Coppola, la descubrieron y quedaron prendados. Hicieron lo posible para que llegase a la gente.

Kalatózov rodó su última película, “La Tienda Roja”, en 1969, una producción italo-soviética, con Sean Connery y Claudia Cardinale. 

En 1973 murió. Al año siguiente falleció Sergei Urusersky.

 ¿Qué llamó tanto la atención de Scorsese y de Coppola?

Desde luego que el guion no: es un topicazo, con unas historias y unos personajes estereotipados.

La tienda roja

A través de cuatro historias, durante dos horas y cuarto, se cuentan las razones que impulsaron a los cubanos a seguir a Fidel y finalmente a que triunfase la revolución.

  • La primera es la historia de María, novia de Ángel, frutero, que lleva una doble vida como Betty, prostituta que se vende en un club de alterne a los americanos.
  • Continúa con Pedro, un trabajador de la caña de azúcar, con dos hijos, que se queda sin tierra y sin casa cuando su jefe le vende su propiedad a la United Fruit, multinacional americana.
  • La tercera historia cuenta la peripecia de Enrique, un estudiante universitario que no se atreve a atentar contra el jefe de la policía cuando lo tiene a tiro y, luego, el policía, asesina a un compañero y acaba matándolo a él también.
  • La cuarta trata de un campesino con mujer y cuatro hijos al que bombardean y destruyen su casa. Acaba incorporándose a la guerrilla y entrando triunfante en la capital.

Personajes que son estereotipos, poco perfilados y melodramáticos. Un ritmo lento, unos personajes sin alma, traumatizados por la pobreza y la explotación. En blanco y negro. El color lo pone la música. 

Quizás, a Scorsese y Coppola, les llamó la atención la música, muy presente en toda la película. Protagonista de la historia.

Pero hay una cosa segura: la fotografía, la manera de conducir la cámara, las tomas largas y los travellings son sencillamente impresionantes. ¿A qué aficionado al cine no le puede gustar una maravilla como esa?

 La cámara en “Soy Cuba” tiene vida.

Es inquieta: sigue a Betty cuando baila. La envuelve y la acorrala

Es Inquisitiva: acompaña al americano que se acuesta con Betty cuando intenta abandonar la aldea donde esta vive. Se interesa por el paisaje y por el paisanaje. Desvela el entorno de la joven, sus condiciones de vida.

Enloquece: cuando Pedro, el trabajador de la caña de azúcar, se alegra.

Se relaja: cuando Pedro se refresca con el agua.

Es un pájaro que vuela, arriba y abajo, durante el entierro de Enrique. Durante su ascenso y descenso no pierde detalle de lo que sucede a su alrededor.

 La película comienza con la cámara sobrevolando el mar y entrando en tierra cubana, por encima de las palmeras agitadas por el viento. Palmeras y agua. Desde el aire, atraviesa la isla y vuelve a entrar en el mar, para luego girarse y ver en la costa el monumento a Cuba: Soy Cuba.

La película es una lección de como hacer una toma larga utilizando el travelling. En sus dos versiones.

  • Como plano descriptivo: mostrando el entorno de los personajes
  • Como plano de acompañamiento: siguiendo al personaje.

Sergei Urusersky encontró en Mijail Kalatózov el jefe perfecto para que le dejase emplear la cámara subjetiva y moverla a su antojo.

 En la película hay detalles técnicos y artísticos nada despreciables.

El puticlub donde baila Betty (Maria) con el americano, tiene en el centro de la pista una gran escultura africana en madera. Metáfora del origen africano de Betty. Sus antepasados eran esclavos y ahora ella se ha de prostituir.

La idea de contraste entre la opulencia de los explotadores y del pueblo explotado queda bien plasmada: La Habana aparece como una ciudad de grandes edificios, cuadrados, impolutos, donde viven, hacen negocios y corrompen los americanos. Las aldeas donde viven las gentes del pueblo que explotan en la ciudad, son marginales, pobres, sin servicios elementales.

Mientras Fidel Castro desembarca en la isla camino de Sierra Maestra, los diarios de la capital publican en primera página que Fidel ha muerto. Las fake al servicio de la desinformación política, tan presentes en este momento, ya eran frecuentes en los años 70.

 “Soy Cuba” es un buen trabajo de técnica cinematográfica y una buena muestra para entender la parábola de la revolución cubana (o de la nicaragüense: que le pregunten a Ortega). Fidel hizo la revolución para acabar con la prostitución y con la pobreza. Hoy, 64 años después, en Cuba hay más prostitución y la pobreza es la misma.

El pueblo volverá a sublevarse.

Jose Luis Vázquez

Jose Luis Vázquez

Escritor

Estudió Ciencias Económicas en la Universidad Central de Barcelona y cursó un máster en Dirección de Marketing en EADA.

Ha trabajado como directivo financiero y de logística en varias empresas de logística y alimentación.
Ha realizado numerosos viajes de aventura por los cinco continentes, ascendiendo montañas, conviviendo con tribus y cruzando ríos y mares.

Le encanta el cine, y los wésterns en particular.
Lector empedernido: novela, historia, ciencia y filosofía.
Cursó tres años de Narrativa y Novela en la prestigiosa Escola d’Escriptura del Ateneu de Barcelona.
Ha publicado dos libros: Clara y algo más, de cuentos, y La memoria en color, autobiográfico.
Barrabás el Sicario es su primera novela.

Entrevista

O Corno

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O corno por José Luis Vázquez

O corno por José Luis Vázquez

De como Santa María descendió́ del cielo a una iglesia, ante todo el mundo, y curó a cuantos enfermos había allí́ aquejados del fuego de San Marcial

La Virgen nos da la salud y nos quita el mal: / tantas virtudes espirituales tiene en sí.

Por eso quiero contaros, / entre estos milagros suyos, / otro muy grande y espectacular / que esta madre de Dios / hizo, que no pueden contradecir los judíos, / ni los herejes, aunque quieran decir lo contrario. / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Esto sucedió́ en Francia, / no hace mucho tiempo, / cuando a los hombres por los errores / cometidos, Dios les envió́ / como divina desgracia, / este fuego que llaman de San Marcial35. / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Y gritando y gimiendo / se hacían llevar / enseguida a Soissons / para poder recobrar la salud, / creyendo que así́ se curarían / gracias a la Virgen que auxilia a los que sufren. / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Y aquella enfermedad, por lo que supe, / era de naturaleza tal / que primero los atacaba con frio / y después / ardían como con fuego, y así́ / todos sufrían un dolor de muerte, / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Pues los miembros se les caían / y no había manera de que / pudiesen comer ni dormir / ni mantenerse en pie / y todos preferían morir / que sufrir un dolor tan descomunal. / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Por eso una noche sucedió́ / que les parecía que / una luz muy fuerte del cielo venía / y entonces descendía / Santa María, y la tierra tembló́ / cuando llegó la Señora Celestial. / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Y la gente, tal miedo / cogió́ que empezaron / a escapar, y no despacio, / sino corriendo lo más que podían, / y Ella hizo que se curasen los enfermos / como señora que en las penalidades no defrauda / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

A quien la llama confiando / en su piadosa bondad, / porque Ella siempre acude / cuando entiende que debe hacerlo. / Por eso a aquellos enfermos nada / les quedó del fuego, ni siquiera una marca. / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Esta cantiga del siglo XIII, nos habla del Fuego de San Marcial, o fuego de San Antonio, o fuego del Infierno, una enfermedad provocada por “o corno”: el ergotismo.

O corno, hongo clavicops purpurea, crece en las espigas del centeno, también del trigo, de la avena o de la cebada. Su nombre le viene de la forma alargada, como un cuerno, de color negro.

Se utilizó para detener hemorragias uterinas tras el parto, para inducir abortos o para sintetizar drogas. Es un derivado de la ergotina.

Claviceps_purpurea

O corno, es una película de este año, 2023, coproducción hispano-portuguesa-belga, ganadora de la Concha de Oro del Festival de Cine de San Sebastián. Era la primera vez que una directora española lo ganaba.

Con guion y dirección de Jaione Camborda, nacida en 1983, en San Sebastián, cuya anterior película “Arima”, se pudo ver en 2019 y era una historia de misterio sobre cuatro mujeres y dos forasteros.

La fotografía, importante en esta película, es de Rui Poças, nacido en Oporto, 1966, y con una larga trayectoria de trabajos en el cine.

El personaje principal es María, mariscadora y partera, protagonizado por Janet Novás

Otros personajes están interpretados por Nuria Lestegás (Mabel), Diego Anido  (Juan), Julia Gómez (Carmen), Siobhan Fernándes (Anabel) y Carla Rivas (Luisa), entre otros.

Jaione Camborda
o corno

O corno es una película de río y de frontera. Los diálogos son en galego y portugués.

 La acción comienza en la Illa de Arousa, en el año 1971. En ese año la isla todavía estaba separada del continente, el puente que uniría la una con el otro no se inauguró hasta 1985. En ese mismo año, se inauguró la delegación de TVE en Galicia. Los habitantes de la isla vivían de la pesca, el cultivo del mejillón y el marisqueo. Gobernaba Franco y Galicia era tercermundista, apegada a las tradiciones y las supersticiones.

¿De qué va la película?

La vagina de la mujer es la puerta de la vida, de la muerte, del deseo y del placer. Esta realidad es el origen de todas las alegrías y desgracias para las mujeres y, también, el pegamento común de su solidaridad y acompañamiento.

Los hombres son ajenos a todo esto, rehúyen la realidad, se esconden de ella, como si todo sucediese al margen de ellos.

Las mujeres son madres, trabajadoras, cuidadoras, esforzadas, protectoras, sufridoras y generosas.

Ellos son autoritarios, fríos, guardias civiles, contrabandistas, puteros y, cuando las cosas se ponen mal, cabrones, es decir, cobardes. Va de todo esto.

 ¿Qué cuenta?

Nos habla de Maria, una partera, que por un suceso que ahora no desvelaremos, se ve obligada a huir de la Illa de Arousa a Portugal por caminos de contrabandistas, esquivando peligros, dominando el miedo.

Todo comienza y todo acaba con un parto. Con una madre dando lugar a la vida.

Es una película austera, incardinada en lo rural gallego, con mar, rio y verde, de ritmo lento, para mi gusto, demasiado, en algunas escenas. Pocos diálogos, mucho gesto e ideal para que el director de la fotografía se luzca.

 Es, como parece que ha quedado claro, una película de mujeres: dirigida por una mujer, interpretada por una mujer y con una historia sobre mujeres. Galicia, en este caso, es más femenina que nunca: a mar, a casa, a paisaxe, as xentes e as miradas.

fotograma o corno

 Es una película muy recomendable (casi de visión obligatoria) para todos los jóvenes. Por varios motivos, pero destacaría dos:

  • Para atisbar el cambio tremebundo que ha sufrido Galicia en los últimos 50 años.
  • Para reflexionar sobre el papel de ellas y nosotros: la inexorable necesidad de que unas y otros nos acerquemos con empatía, nos veamos como iguales y nos estimemos con honestidad.
Jose Luis Vázquez

Jose Luis Vázquez

Escritor

Estudió Ciencias Económicas en la Universidad Central de Barcelona y cursó un máster en Dirección de Marketing en EADA.

Ha trabajado como directivo financiero y de logística en varias empresas de logística y alimentación.
Ha realizado numerosos viajes de aventura por los cinco continentes, ascendiendo montañas, conviviendo con tribus y cruzando ríos y mares.

Le encanta el cine, y los wésterns en particular.
Lector empedernido: novela, historia, ciencia y filosofía.
Cursó tres años de Narrativa y Novela en la prestigiosa Escola d’Escriptura del Ateneu de Barcelona.
Ha publicado dos libros: Clara y algo más, de cuentos, y La memoria en color, autobiográfico.
Barrabás el Sicario es su primera novela.

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