Bien podría haber sido el título en castellano, pero optaron por ponerle La zona de interés. En inglés, original, la película es The Zone of Interest.

 Una película más en el que ha resultado ser un prolífico año 2023. Una coproducción inglesa-americana-polonesa.

Ganadora del Oscar a la mejor película extranjera y al mejor sonido, además del Gran premio del jurado en Cannes.

Dirigida por Jonathan Glazer, que además firma el guion. Británico, judío, guionista y director. La película está basada en una novela de Martin Amis. 

Jonathan Glazer (59 años) combina la realización de anuncios publicitarios para grandes empresas multinacionales, con la dirección de películas como Reencarnación (2004) o Under the Skin (2013).

La música es de Mica Levi (37 años), que ya fue aclamado por su composición para la película, de Jonathan Glazer, Under the Skin. Aunque recibió una formación clásica, desde 2008 experimenta con el pop. Lidera la banda Good Sad Happy Bad. 

La fotografía es de Lukasz Zal  (43 años), polaco, que fotografió entre otras la maravillosa Ida de Pawel Pawlikowski

¿De qué va la película?

Hay ocasiones en que es mejor no contar nada sobre el guion, la trama o el contenido de la película, dejar que el espectador se impregne y se sorprenda por la historia desde el primer momento.

Parece, y lo es, una pretensión absurda: tenemos internet (el chivato Google), tenemos la televisión, tenemos las novelas de Martin Amis, tenemos demasiados inputs anteriores al visionado de la película: casi imposible no saber de qué va.

El comandante de un campo de concentración, Rudolf, vive con su mujer y sus hijos en una casa amplia, con un bonito jardín, junto a la tapia del campo de concentración. A él le gustan los caballos, contarles cuentos a sus hijos, hacerle vástagos a su mujer y follarse a una fulana, de vez en cuando, mientras ensaya con nuevas tecnologías crematorias, con gran profesionalidad.

Su mujer, Helwing, rubia, dulce, amante de las flores y las plantas, poco amorosa con sus hijos, estalla como una fulana cualquiera, como una déspota, cuando intentan apartarla de su zona de confort.

El horror tras la aparente normalidad. Parece una distopia, aunque fue una realidad apabullante, aunque es una realidad presente: aconsejo a los que vean esta recomendable (y muy cruda) película, que cuando la estén viendo, sustituyan al comandante alemán, por un comandante israelí y, mientras imaginan el sufrimiento de aquellos judíos, imaginen el sufrimiento de los palestinos hoy.

 Nunca fue más dura la realidad que cuando la imaginamos. La imaginación no tiene censura y añade matices, sutilezas, vericuetos. Duele lo que nuestra imaginación es capaz de imaginar, de situar frente a la belleza y armonía de lo aparente. Alarma que en un entorno de aparente hermosura y bienestar, el humo de los crematorios ensuciando el cielo azul, los gritos y los ruidos de la tortura y el horror, puedan pasar tan desapercibidos como los ladridos de un perro, el canto de un pájaro o el crujir de las piedras del suelo al caminar.

La cámara nunca entra en el campo de concentración y, a pesar de todo, nos horroriza pensar lo que allí sucede, la cotidianidad que dentro se consuma. Nos interpela un padre amoroso que además es un criminal sin escrúpulos, profesionalmente aséptico.

Nos desconcierta una mujer-madre instalada confortablemente en una burbuja. Nos pasma la normalidad con la que unos niños pueden coleccionar dientes que tuvieron dueños.

 A nivel técnico y formal, la película tiene algunos aportes discutibles o pretenciosos, que no añaden nada importante a lo que se cuenta tan bien y con tanta habilidad. Por ejemplo, los tres fundidos de la película: un fundido en negro, al inicio de la película, desconcertante, otro fundido en blanco y, un tercero, un fundido en rojo.

La música, minimalista, contribuye al desasosiego y a la inquietud y actúa como un contrapunto a la aparente normalidad.

Más que mostrar la película sugiere, más que enseñar incita a pensar: una reflexión sobre el horror de lo cotidiano. No dejen de pensar en ejemplos de nuestros días, los encontraran cerca y sin dificultad.

Marie Josèphe Rose Tascher de la Pagorie   nació en 1763 en Martinica, perteneciente a las Antillas Menores. Un antepasado suyo había sido el primero en establecer una colonia francesa en la isla. Su familia poseía 500 hectáreas de tierra y numerosos esclavos. Eran ricos. Se educó en un colegio de monjas.

Una tía, que vivía en París con un aristócrata, quiso casar a una hermana de Marie con el hijo de su marido, pero la chica murió de tuberculosis. En su lugar, su familia decidió enviar a otra hermana de 11 años, pero la niña enfermó y no pudo viajar. Para no perder la oportunidad que ofrecía este matrimonio, los padres de Marie, decidieron enviarla a ella. Unos años antes, en 1776, un huracán arrasó la isla y destruyó gran parte de las propiedades de la familia de Marie. Su padre, que era ludópata, acabó de arruinar a la familia.

El matrimonio de Marie con Alejandro de Beauharnais,  vizconde, era la solución a los problemas económicos familiares. Ella tenía 17 años y él 20.

El matrimonio tuvo dos hijos y se divorciaron en 1783, cuando Marie tenía 24 años. Él pasó, la mayor parte de los siete años casado, viajando, solo vio a su mujer durante unos meses. La despreciaba por su falta de educación y por no saber escribir.

Alejandro de Beauharnais se veía con muchas mujeres, pero cuando su segundo hijo nació prematuramente, concluyó que eso había sido por alguna infidelidad de su mujer. Interrogó a sus conocidos para saber con quién había sido. No encontró pruebas fehacientes, pero al volver a su casa, se divorció de ella y la ingresó, junto a su hijo y su hija, en una abadía donde encerraban a mujeres como ella. Marie pasó penalidades, dado que él dejó de pasarle la mensualidad acordada. Además, sacó al niño de la abadía para que no estuviese rodeado solo de mujeres.

Marie era una mujer con un color exótico, con el cabello castaño, ojos marrones, esbelta, con curvas y la boca siempre cerrada: trataba de ocultar sus dientes negros y con caries, gastados de tanto comer y chupar caña de azúcar.

 En 1791, estando Marie en la casa familiar de Martinica, vivió la revolución de los esclavos.  Francia también produjo su revolución por las mismas fechas.

 En 1794, a su primer marido lo ejecutaron cortándole el cuello en la guillotina. A ella la arrestaron y la encerraron por sus vínculos contrarrevolucionarios; a punto estuvieron también de ejecutarla. De los 600 presos y presas que había cuando la ingresaron a ella, al soltarla solo quedaban 200.

A los 33 años, dos años después de salir de la cárcel, conoció y acabó casándose con Napoleón, de 27 años (en la película Napoleón, Joaquin Phoenix  parece que tenga 40). A este le gustaban las mujeres mayores, que además de dejarse joder le hicieran de madre: antes de casarse propuso matrimonio a otra mujer viuda que le doblaba la edad. Él dijo: “la naturaleza destinó a las mujeres a servirnos”.

 Ella mantuvo relaciones con otros hombres, que enfermaron de celos al emperador francés, encoñado con ella.

Su porte no era el de una dama, se conducía con costumbres aprendidas en su juventud en Martinica. Llamaba la atención por ser diferente, por ser atractiva y por su carácter.

Su primer marido la apuntó, para intentar domesticarla, a clases de ética y escritura.

 La falta de un heredero quebró la entente entre Napoleón y Josefina. “Las mujeres no son más que máquinas de producir hijos”, había dicho y, su mujer, intentaba llevarle la contraria.

 Napoleón no era un mujeriego al uso, tuvo pocas amantes, pero traicionó a Josefina varias veces: en una de ellas, lo pilló en una situación incómoda con una criada.

 En 1810, se divorciaron. Él ya había tenido dos hijos con otras amantes y se convenció de que el problema era ella.

 Josefina se retiró a un castillo de su propiedad. Se dedicó al cultivo de flores y rosas. Derrochó todo lo que pudo y más de lo que tenía, que era bastante.

 Después de la abdicación de Napoleón, Josefina se ganó la protección del emperador Alejandro I de Rusia.

 Murió de un resfriado mal curado.

 “Conviene que las mujeres no pinten nada en mi corte” había dicho Napoleón, que al enterarse de la muerte de Josefina manifestó: “La quise, pero no la respeté”.

Esta es una historia fascinante para llevar al cine. Pero no. Todos prefieren el punto de vista de Napoleón: arqueólogo (por lo de las mujeres mayores, incluidas las momias egipcias), temerario, sicopático, militar, engreído, criminal y machirulo, una joya.

 Se han rodado más de 30 películas sobre Napoleón o sobre Napoleón y Josefina. Incluso el magnífico Stanley Kubrick se quedó con las ganas de rodar una.

Marlon Brando rodó Desiree, en 1954.

La primera vez que salió Napoleón en el cine fue en 1897: “Entrevue de Napoleón et du Pope”.

En 1909 se rodó: Napoleón and the Empress Josephine.

Ridley Scott , en 1977, ya había filmado Los Duelistas. No contento, este año acaba de estrenarse su segunda película sobre Napoleón.

Lo primero que conviene decir es que Vanessa Kirby , actriz, se merienda en la pantalla a Joaquin Phoenix, actor. No me extrañaría que le dieran el Oscar; a pesar de que su dentadura es blanca y perfecta y la de la Josefina real era negra y con caries, cosas del cine y de la falta de rigor.

Por lo demás, la película seguramente será muy atractiva para los amantes de las batallas. Hay unas cuantas, rodadas con muchos medios, mucha técnica y escenas espectaculares, como la del hielo (no digo más por los que puedan estar interesados en verla).

Se han dicho tantas cosas y filmado tantas películas sobre Napoleón que resulta complicado sorprender al espectador. Es inexcusable y urgente que alguien haga una película y nos cuente la historia desde el punto de vista de Josefina: puede dar incluso para una serie.

 La película me dejó indiferente. Ni fu ni fa. A mí no me van las batallas. Nada tengo que ver con la inquina entre franceses e ingleses, que es de lo que se trata en esta película.

 Yo prefiero a Josefina: exótica, derrochadora y explosiva.

 Por cierto, no sé cuántos conocerán a la “JOSEFINA” real de RIDLEY SCOTT

 Nació en 1955 en Costa Rica, hija de abogado y político.

 A comienzos de los años 80 comenzó una aventura con Phillipe Junot, que arruinó la relación de este con Carolina de Mónaco. Poco después, conoció a Julio Iglesias con el que tuvo un idilio. Este le presentó a Miguel Bosé y se lió con él, durante cuatro años.

 En 2015, con 60 años, se casó con Ridley Scott, director de cine, con 77 años.

La primera película en la que trabajó con Ridley Scott fue White Squall . Desde entonces ha intervenido en casi todas las películas del director. En la última, Napoleón, es productora.

 Para finalizar, un comentario a propósito de la controversia que en algunos medios se desató al respecto de la falta a la verdad histórica por parte de Ridley Scott en esta película.

Una película no es buena ni mala por lo fiel que sea a la historia: se trata de cine. La película es buena o mala por la calidad cinematográfica del producto ofrecido.  Por la ambientación, por los diálogos, por las interpretaciones, por la música, por un guion trabajado, por la fotografía…, por todo aquello que hace que, en su conjunto, sea un espectáculo agradable ir a verla.

La verdad (si es que es posible atraparla), le corresponder decirla a los historiadores. Escritores de novelas o directores de cine hacemos ficción, con más o menos contexto histórico.

Luna de Flores es el nombre que le dan los Osage  a unas plantas que aparecen en primavera en las llanuras de su tierra en Oklahoma. Es, además, la fecha en que comenzó el Reinado del Terror, en mayo de 1921.

“Killers of the Flower Monn”, es el título de una novela de David Grann, que, en 2017, fue considerada la mejor novela, según The New York Times.

David Grann es un escritor de Best Sellers.

En 2009 publicó “Z La Ciudad Perdida”

En 2010 publicó “El viejo y la pistola y otros relatos de true crime”, llevada al cine por Robert Redford.

En 2023 ha publicado “A Tale of Shipwreck, Mutiny and Murder”, durante 26 semanas el libro más vendido en EEUU.

La nación Osage tiene un idioma que es una rama de las lenguas Sioux. En el siglo XVII, ocupaban las tierras de Arkansas, Misuri, Kansas y Oklahoma.

Es una nación de hombres altos: pocos bajan de los 1,80 metros.

Vivían de la agricultura (básicamente cultivo de maíz) y de la caza del bisonte. También cazaban castores, osos y ciervos.

Fueron aliados de los franceses, en las guerras de estos, entre 1730 y 1740.

Guerrearon contra los españoles (1790-1794) y los derrotaron.

Entre 1870 y 1875 sufrieron una fuerte hambruna, que los diezmó, a consecuencia de la extinción del bisonte y de una plaga de langosta que acabó con la cosecha de maíz.

A partir de 1882 comenzaron a llegar hombres blancos a sus tierras en el condado Osage de Oklahoma.

 Población

1840……………. 5.000

1855……………. 3.500

1906……………. 1.988

1939……………. 3.672

1970……………. 5.000

Necesitaron 130 años para recuperar la población que habían tenido en 1840.

 En 1904 se descubrió petróleo en sus tierras: los problemas no hicieron más que aumentar.

Mollie Brown (Lily Gladstone, una actriz Osage), india, joven y rica, cae en brazos de Ernest.

Y hasta aquí puedo contar…los que quieran saber cómo continúa han de ir al cine.

La película, con guion de Martin Scorsese y Eric Roth, está basada en la novela de David Grann, que se dedicó a novelar acontecimientos que ya son historia de la Nación Osage.

Está producida, entre otros por el propio Martin Scorsese y Leonardo Di Caprio.

El coste de la película fue de unos 200 millones de dólares, casi lo mismo que el presupuesto anual de la Diputación de A Coruña.

La música es de Robbie Robertson, muerto el 9 de agosto de este año. Guitarrista y compositor de The Band. Asesor musical de M. Scorsese, para el que compuso la música de siete de sus películas.

La fotografía es de Rodrigo Prieto, que ya ha trabajado cuatro veces con este director, además de para Spike Lee, Oliver Stone, Alejandro G. Iñarritu, Ang Lee y Almodóvar.

Los actores son, como ya anticipamos, Leonardo Di Caprio, que es la sexta vez que trabaja con M. Scorsese, Robert de Niro, octogenario como el director, con el que ya ha participado en diez de sus proyectos, y Lily Gladstone, una actriz india.

La película dura más de tres horas. Esto no es malo ni bueno, pero en este caso, me pareció un metraje excesivo: hay escenas, como la del incendio, que con menos se hubiera dicho lo mismo.

La historia es simple, en cinco minutos se puede contar en detalle. La película se podría haber rodado con más o menos intensidad y “adornos” y, en este caso, Martin Scorsese se ha dejado llevar. El resultado es bueno, aunque siempre fui de la opinión de que menos, es más.

De Niro y Di Caprio están bien. Los dos con sus tics habituales, marca de la casa.

Lily Gladstone lo hace muy bien: contenida y expresiva, sin alardes.

La caracterización se podría haber mejorado muchísimo. No se ve el paso de los años en ninguno de los tres protagonistas.

El personaje de Di Caprio no está bien definido. Hay conductas o decisiones que el espectador intuye o deduce más que ver en la pantalla. Con más de tres horas de duración podría haberse descrito mejor la evolución del personaje.

La música y la fotografía funcionan a la perfección.

La novela, y la película después, son un intento de reparar una de las muchas injusticias que se han cometido con los nativos americanos.

Los Osage eran una nación patrilineal, sin reyes ni generales, donde el clan y las relaciones entre los de la misma tribu eran igualitarias, cooperativistas y solidarias y, donde las relaciones entre hombres y mujeres eran mucho más equilibradas que las que se daban entre blancos.

 Sin desmerecer el mérito de la película, su buena factura y el digno resultado, no veremos por ningún lado el papel que jugaron las petroleras, los magnates y el gobierno de los EEUU en el despojo y la desgracia de los Osage.

Hoy día, incluso para nombres tan consagrados como Martin Scorsese, hacer cine es una tarea tan gigantesca, con tantos intereses involucrados y tanto dinero en juego, que todo ha de estar perfectamente controlado, encajado y dentro de los márgenes de lo políticamente correcto.

 Vayan al cine, disfruten y saquen sus conclusiones.

A veces ocurren los milagros: es lo que tiene el cine, que te puede sorprender y conmover con lo inesperado.

“Anatomía de una caída” es un milagro, una película portentosa donde todo funciona y la historia conmueve. Ciento cincuenta minutos sentado y atento atrapado por la magia de las imágenes. Un thriller-drama de este año pasado 2023, que resultó ser un año fértil en novedades y calidad.

 Hacía tiempo que el cine francés no producía una película tan soberbia, desacomplejada y profunda.

La directora es la joven de 45 años Justine Triet , actriz, guionista y directora francesa, que ya ha dirigido ocho títulos.

El guion esta coescrito con su marido Arthur Harari, también actor, guionista y director, de una familia de actores.

La fotografía es de Simon Beaufils.

Las interpretaciones son brillantes y llenas de matices, en especial Sandra Hüller  en su papel de Sandra (esposa, madre y bisexual) y Milo Machado, en su papel de Daniel, como hijo ciego. La interpretación de Milo es, sin duda, una de las grandes bazas de este film; muy acertada, contenida y, a la vez, dramática.

 El casting es acertadísimo, cosa poco frecuente hoy en día: además de los personajes principales, observar lo acertado de la actriz que interpreta a la jueza.

 La película ganó la Palma de Oro en Cannes.

En la película hay un perro que tiene una importancia fundamental en el desarrollo de la trama: hasta él lo hace bien, sin duda un mérito de la directora Justine.

 Como decía antes, conviene ir al cine, relajarse, dejarse llevar por las imágenes, en un paraje muy bello, nevado, frío y que la temperatura nos vaya subiendo por dentro, sin darnos cuenta, removiendo nuestras entrañas, cuestionando nuestros prejuicios, descubriendo los entresijos de un por qué y, finalmente, haciéndose la luz. Recomendable ir a ver la película con la pareja o con amigos y luego comentarla, mientras se toma una caña o un vino y se reflexiona sobre lo acontecido poco antes en la sala de cine.  De la conversación puede que salgan aspectos y detalles que nos pasaron desapercibidos o interpretaciones de lo sucedido diferentes, según el carácter de cada persona, con mayor o menor intensidad.

 La película figura en muchas de las listas sobre mejores películas del 2023 y, en esta ocasión, no puedo estar más de acuerdo.