El Ascetismo fue uno de los primeros movimientos cristianos. Cuajó en Siria y Egipto, como una necesidad de romper con el estilo de vida Mediterráneo. Como dice Peter Brown  en su excelente “El Mundo de la Antigüedad Tardía”: “El atractivo y la importancia del ascetismo, que se esparció con rapidez por el mundo romano en el siglo IV, radicaba precisamente en esto: era un grupo de personas desplazadas, con un estilo propio, que afirmaban haber comenzado de nuevo la vida”.

Solo dos mujeres no participan en el escarnio y el martirio: una monja enamorada del Asceta y una mujer del pueblo.

En 1915: una iglesia y un cura en ella dando un sermón sobre los hipócritas. El cura tiene la misma fisonomía que el Asceta. Nadie presta atención a sus palabras: ni los ricos, ni los pobres, ni los políticos, … Acabada la ceremonia algunos acuden a felicitarle por su sermón. Todos abandonan la iglesia, salvo dos mujeres: una de ellas forma parte del coro y esta enamorada del cura, la otra es una mujer del pueblo que asistió a la misa.

El cura ve en un periódico un reportaje sobre una virgen desnuda. Y sueña.

Sale de la iglesia y sube por una cuesta, le siguen las dos mujeres. Otras lo intentan, pero desisten por el esfuerzo o por otras prioridades. La mujer del pueblo abandona a mitad de camino, la otra, casi en la cumbre, pide al cura que le de la mano para subir, pero el avanza y se encuentra con la puerta de la verdad. Se abre y entra, dentro encuentra a una mujer desnuda que lo invita a conocer la Verdad.  Van a ver al partido Mi Plataforma Honestidad, presidido por un corrupto, después van a ver a una pareja de enamorados, a un grupo de jóvenes y a una familia. La Verdad le enseña, utilizando un espejo, cual es la vida real que llevan esas gentes: todos son hipócritas.

Las dos mujeres que se habían quedado en la iglesia se acercan al cura al verlo inmóvil en una silla. Llaman a los feligreses que esperan fuera de la iglesia y comprueban que el cura a muerto.

Esta es la sinopsis de la película “Hypocrites”, muda, del año 1915, escrita, dirigida y producida por Lois Weber.

Después vendrían muchas más, como, por ejemplo: “¿Where are my children?” (sobre el aborto y el control de la natalidad), “The people vs. John Doe” (sobre la pena de muerte) y “Hop, the Devil’s Brew” (sobre el alcoholismo y la drogadicción)

En 1916 era la directora mejor pagada de Universal Studios. Al año siguiente formó su propia productora.

John Ford trabajó como su ayudante. 

En 1921, con 40 años, le ocurrieron unas cuantas cosas y no todas buenas. Filmó “The Blot”, que fue un gran éxito para Paramount. Perdió su productora. Se divorció de Smalley, después de 15 años de matrimonio. Sufrió una crisis nerviosa.

Cinco años después de su divorcio, se volvió a casar con Harry Grantz, siete años más joven que ella. Duraron 9 años juntos. En 1935 se divorciaron.

En 1934 logró rodar la que sería su última película “White Heat”. A partir de ese momento solo consiguió que la dejaran ser supervisora de guiones para la Universal.

En 1939 murió de una enfermedad gástrica, sin descendencia y arruinada. Ese mismo año murió Phillips Smalley, el que había sido su primer marido.

Hasta 2020, en 89 ediciones, sólo cuatro mujeres habían sido nominadas a mejor director del Oscar y sólo una lo había ganado. Las dos últimas ediciones han sido dos mujeres las ganadoras: Chloé Zhao y Jane Campion. Antes, en 2010, la ganadora fue Katheryn Bigelow.   

En la historia del cine Alice Guy y Lois Weber fueron las primeras en ponerse al mando de un rodaje. 

Lois Weber actuó por primera vez en el cine para un corto que rodó Herbert Blaché, marido de Alice Guy. 

En el género no están claras las fronteras entre el bien y el mal, todo es difuso, como las fotografías, que utilizan las sombras, los claroscuros, la noche y el blanco y negro, para crear una atmósfera y dar personalidad a los personajes y sus tribulaciones.

Las cosas ocurren en sociedades violentas, cínicas y corruptas, donde el final inevitablemente es siempre agridulce.

El cine negro se rodó mientras la Prohibición, la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial eran el telón de fondo de la realidad.

Se acostumbra a asociar el estilo del cine negro con el expresionismo alemán, una corriente artística que influenció a todas las artes, incluida la arquitectura y la literatura. El cine no quedó al margen. La expresión, visión interior del artista, se confrontó con la impresión (impresionismo), que le había precedido. El individuo frente a la realidad.

A la película de John Huston, “El Halcón Maltés”, que había protagonizado Humphrey Bogart,  siguieron unas cuantas obras maestras en los años siguientes:

El año 1944 fue especialmente fértil con “Perdición” de Billy Wilder,  “Laura” de Otto Preminger y “La mujer del cuadro” de Fritz Lang .

Fritz Lang también entregó “Perversidad” en 1945

En el año 1946, “El sueño eterno” de Howard Hawks  y “Forajidos” de Robert Siodmak 

Paremos cuenta en que Billy Wilder, Otto Preminger, Fritz Lang y Robert Siodmak eran todos de origen europeo, alemanes, o de influencia cultural alemana, y judíos. Además de ellos, en Hollywood había muchos guionistas, músicos y técnicos huidos de Europa y de la persecución nazi. No es de extrañar que el Expresionismo se abriese paso en las películas y en el cine estadounidense.

Los censores alemanes le prohibieron “Brennendes Geheimnis” (Secreto que quema), basada en la novela “Ardiente secreto” de Stefan Zweig.

Se trasladó a París en 1933 y después a EEUU, donde ya estaba su hermano.

En 1943 firmó con la Universal.

En 1946 hace la película “Forajidos” y, en 1949, “El abrazo de la muerte”, dos estupendas películas de cine negro, auténticas maravillas del género.

En 1952, huyendo del Comité de Actividades antiamericanas, vuelve a Europa.

En 1956 rueda su última película “La invasión de los bárbaros”, sobre el declive del Imperio romano.

“The Killers” (Forajidos), es una película de 1946, con guión de Richard Brooks y John Huston sobre la novela del mismo título de Ernest Hemingway, del año 1927.

Interpretada por el debutante Burt Lancaster y Ava Gardner, música de Miklos Rózsa con fotografía de Elwood Bredell. 

Un veterano de la segunda guerra mundial, abandona el boxeo y debe integrarse en la vida civil. Conoce a la novia de un gánster que planifica un gran atraco. La película nos cuenta esta historia pero al revés: comienza con la muerte de El Sueco, el boxeador, y un perito del seguro va reconstruyendo su vida.

Están todos los personajes tipo del género, incluida la femme fatale, en este caso una espléndida Ava Gardner.

Tres años después, Robert Siodmak hace la película “Criss Cross”, aquí en España “El abrazo de la muerte” y, en Argentina, “Sin Ley y sin alma”.

Guión de Daniel Fuchs , música de Miklós Rózsa y fotografía de Franz Planer . La interpretación corre a cargo de un inspirado Burt Lancaster y de Yvonne De Carlo .

Esta es otra maravillosa película de cine negro. Un hombre honrado y buen hijo se siente atraído por la novia de un gánster que lo arrastra al mundo de la delincuencia.

Ya vemos que las mujeres, mejor dicho, la mujer siempre lleva la manzana de la tentación consigo y siempre consigue arrastrar a algún incauto hasta el infierno.

De vuelta a EEUU se divorció de su rica mujer. Desubicado y sólo se volvió alcohólico. Intentó suicidarse. Recibió sesiones de psicoanálisis.

Conoció a una mujer escritora, poetisa, judía, comunista y muy bella llamada Joy Davidman.  Se casaron y tuvieron dos hijos.

A los 37 años publicó su primera novela Nightmare Alley. Fue un éxito de ventas. Se convirtió en película.

A los 40 años, William y su mujer abandonaron el partido comunista y se convirtieron a la iglesia presbiteriana.

Joy descubrió sus infidelidades y se divorció, marchándose a Inglaterra y llevándose a sus dos hijos.

Él se casó con su amante, volvió a beber y acabó suicidándose a los 53 años.

William era un hombre atractivo, de rostro serio, mirada interrogativa y con un bigotito al estilo Clark Gable.

La vida de William tiene muchas de las claves de la novela que le hizo famoso y  también de la película que filmó en 1947 Edmund Goulding, actor, guionista, compositor de canciones, novelista, director de cine y bisexual.

La adaptación de la novela al cine la hizo Jules Furthman,  la música la puso Cyril J. Mockridge  y la fotografía Lee Garmes.  Estaba interpretada por Tyrone Power  (espléndido), Joan Blondell  y  Coleen Gray  entre otros.

El callejón de las almas perdidas (Nightmare Alley), se filmó en blanco y negro y es un drama psicológico con intriga, auténtico cine negro.

Música de Nathan Johnson, un colaborador habitual en la música de las películas de su primo Rian Johnson y director de videos musicales.

Fotografía de Dan Laustsen, danés, que ya ha colaborado antes en varias películas del mismo director, incluida “La forma del agua”.

Un hombre atribulado, después de dejar morir a su padre, llega a una feria ambulante o circo, donde hay varias atracciones, entre ellas una de adivinación, otra de hombres fuertes y una de un despojo humano o monstruo, que es la que más espectadores atrae.

El hombre (Bradley Cooper) consigue las claves de una atracción de mentalismo y se marcha de la feria con una joven que hace un número con energía eléctrica, enamorada de él. Se casan y triunfan con su número.

El hombre, ambicioso, no se conforma y comienza a practicar sus habilidades con personas de clase alta y problemas emocionales, en colaboración con una psicóloga.

 Si el espectador no ha visto la primera versión, esta le puede “engañar” y hasta gustar.

Bradley Cooper esta muy bien en su caracterización del personaje, también el resto de actores interpretan correctamente su papel. La música y la fotografía son correctas. El guion es efectista y tramposo, a ratos, increíble o fantasioso. Hay personajes, como el de la psicóloga (Cate Blanchett), que parecen sacados de una película de Star Wars.

 Guillermo del Toro no sólo quiso actualizar el clásico de Edmund Goulding, además ha querido ser original y se ha pasado tres pueblos.

 Animo a los espectadores a ir a ver la película e, inmediatamente después, revisar la versión de 1947. Si lo hacen al revés, puede que no disfruten tanto en el cine.

Al comparar verán los distintos cambios de guion en la historia y las modificaciones introducidas en la caracterización de los personajes.

En la película de Edmund Goulding, como en la mayoría del cine clásico, los diálogos son escuetos, austeros y oportunos. Dicen lo que han de decir, no más. El espectador imagina lo que falta, deduce lo que no se dice, completa con su imaginación los vacíos.

Es una historia que resulta creíble, no necesita rocambolescas escenas ni atribulados cambios de guion: directa al corazón del espectador.

Hay cambios significativos en el inicio de la historia y, sobretodo, en el final. También se ha potenciado, en esta versión, la faceta manipuladora del hombre y de la psicóloga. Dejo a los espectadores que vayan a ver la película y luego vean la original, y que descubran esas variaciones y juzguen. Tiene su enjundia.

 Guillermo del Toro necesita recurrir varias veces al flashback, con lo que la película pierde ritmo y no añade nada. Podría haber funcionado sin necesidad de utilizarlos.

 Si tuviese que elegir entre una y otra película, ya habréis deducido por cual me decantaría, pero en realidad recomendaría la novela y, puestos a sugerir, sugeriría leer la vida de William Lindsay Gresham, no tiene desperdicio.

José Luis Vázquez

30 de enero de 2022