Luna de flores por José Luis Vázquez

Luna de flores por José Luis Vázquez

Luna de Flores es el nombre que le dan los Osage  a unas plantas que aparecen en primavera en las llanuras de su tierra en Oklahoma. Es, además, la fecha en que comenzó el Reinado del Terror, en mayo de 1921.

Killers of the Flower Monn”, es el título de una novela de David Grann, que, en 2017, fue considerada la mejor novela, según The New York Times.

David Grann es un escritor de Best Sellers.

En 2009 publicó “Z La Ciudad Perdida”

En 2010 publicó “El viejo y la pistola y otros relatos de true crime”, llevada al cine por Robert Redford.

En 2023 ha publicado “A Tale of Shipwreck, Mutiny and Murder”, durante 26 semanas el libro más vendido en EEUU.

Killers of the moon
Z La ciudad perdida
el viejo y la pistola
A Tale of Shipwreck, Mutiny and Murder

La nación Osage tiene un idioma que es una rama de las lenguas Sioux. En el siglo XVII, ocupaban las tierras de Arkansas, Misuri, Kansas y Oklahoma.

Es una nación de hombres altos: pocos bajan de los 1,80 metros.

Vivían de la agricultura (básicamente cultivo de maíz) y de la caza del bisonte. También cazaban castores, osos y ciervos.

Fueron aliados de los franceses, en las guerras de estos, entre 1730 y 1740.

Guerrearon contra los españoles (1790-1794) y los derrotaron.

Entre 1870 y 1875 sufrieron una fuerte hambruna, que los diezmó, a consecuencia de la extinción del bisonte y de una plaga de langosta que acabó con la cosecha de maíz.

A partir de 1882 comenzaron a llegar hombres blancos a sus tierras en el condado Osage de Oklahoma.

 Población

1840……………. 5.000

1855……………. 3.500

1906……………. 1.988

1939……………. 3.672

1970……………. 5.000

Necesitaron 130 años para recuperar la población que habían tenido en 1840.

 En 1904 se descubrió petróleo en sus tierras: los problemas no hicieron más que aumentar.

En España acaba de estrenarse (finales de octubre 2.023), la película “Los asesinos de la Luna”, título que desmerece el significado del original en inglés.

 Desde 1870, el gobierno americano trasladó de sus tierras a otras tierras, sucesivamente, a los Osage, hasta que los instalaron en Oklahoma a principios del siglo XX. Muertos de hambre, descubren petróleo bajo sus pies. La película cuenta lo sucedido a partir de entonces, siguiendo las fechorías de dos personajes: King o Bill Hale (Robert de Niro), blanco, rico, sibilino y corrupto que teje una telaraña de asesinatos y corrupción, y Ernest Burkhart (Leonardo Di Caprio), sobrino, blanco, mentecato y que ayuda a su tío en las fechorías.

Los asesinos de la luna

Mollie Brown (Lily Gladstone, una actriz Osage), india, joven y rica, cae en brazos de Ernest.

Y hasta aquí puedo contar…los que quieran saber cómo continúa han de ir al cine.

La película, con guion de Martin Scorsese y Eric Roth, está basada en la novela de David Grann, que se dedicó a novelar acontecimientos que ya son historia de la Nación Osage.

Está producida, entre otros por el propio Martin Scorsese y Leonardo Di Caprio.

El coste de la película fue de unos 200 millones de dólares, casi lo mismo que el presupuesto anual de la Diputación de A Coruña.

La música es de Robbie Robertson, muerto el 9 de agosto de este año. Guitarrista y compositor de The Band. Asesor musical de M. Scorsese, para el que compuso la música de siete de sus películas.

La fotografía es de Rodrigo Prieto, que ya ha trabajado cuatro veces con este director, además de para Spike Lee, Oliver Stone, Alejandro G. Iñarritu, Ang Lee y Almodóvar.

Los actores son, como ya anticipamos, Leonardo Di Caprio, que es la sexta vez que trabaja con M. Scorsese, Robert de Niro, octogenario como el director, con el que ya ha participado en diez de sus proyectos, y Lily Gladstone, una actriz india.

La película dura más de tres horas. Esto no es malo ni bueno, pero en este caso, me pareció un metraje excesivo: hay escenas, como la del incendio, que con menos se hubiera dicho lo mismo.

La historia es simple, en cinco minutos se puede contar en detalle. La película se podría haber rodado con más o menos intensidad y “adornos” y, en este caso, Martin Scorsese se ha dejado llevar. El resultado es bueno, aunque siempre fui de la opinión de que menos, es más.

De Niro y Di Caprio están bien. Los dos con sus tics habituales, marca de la casa.

Lily Gladstone lo hace muy bien: contenida y expresiva, sin alardes.

La caracterización se podría haber mejorado muchísimo. No se ve el paso de los años en ninguno de los tres protagonistas.

El personaje de Di Caprio no está bien definido. Hay conductas o decisiones que el espectador intuye o deduce más que ver en la pantalla. Con más de tres horas de duración podría haberse descrito mejor la evolución del personaje.

La música y la fotografía funcionan a la perfección.

La novela, y la película después, son un intento de reparar una de las muchas injusticias que se han cometido con los nativos americanos.

Los Osage eran una nación patrilineal, sin reyes ni generales, donde el clan y las relaciones entre los de la misma tribu eran igualitarias, cooperativistas y solidarias y, donde las relaciones entre hombres y mujeres eran mucho más equilibradas que las que se daban entre blancos.

 Sin desmerecer el mérito de la película, su buena factura y el digno resultado, no veremos por ningún lado el papel que jugaron las petroleras, los magnates y el gobierno de los EEUU en el despojo y la desgracia de los Osage.

Hoy día, incluso para nombres tan consagrados como Martin Scorsese, hacer cine es una tarea tan gigantesca, con tantos intereses involucrados y tanto dinero en juego, que todo ha de estar perfectamente controlado, encajado y dentro de los márgenes de lo políticamente correcto.

 Vayan al cine, disfruten y saquen sus conclusiones.

Jose Luis Vázquez

Jose Luis Vázquez

Escritor

Estudió Ciencias Económicas en la Universidad Central de Barcelona y cursó un máster en Dirección de Marketing en EADA.

Ha trabajado como directivo financiero y de logística en varias empresas de logística y alimentación.
Ha realizado numerosos viajes de aventura por los cinco continentes, ascendiendo montañas, conviviendo con tribus y cruzando ríos y mares.

Le encanta el cine, y los wésterns en particular.
Lector empedernido: novela, historia, ciencia y filosofía.
Cursó tres años de Narrativa y Novela en la prestigiosa Escola d’Escriptura del Ateneu de Barcelona.
Ha publicado dos libros: Clara y algo más, de cuentos, y La memoria en color, autobiográfico.
Barrabás el Sicario es su primera novela.

Entrevista

O Corno

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Anatomie d’une chute  por José Luis Vázquez

Anatomie d’une chute por José Luis Vázquez

A veces ocurren los milagros: es lo que tiene el cine, que te puede sorprender y conmover con lo inesperado.

“Anatomía de una caída” es un milagro, una película portentosa donde todo funciona y la historia conmueve. Ciento cincuenta minutos sentado y atento atrapado por la magia de las imágenes. Un thriller-drama de este año pasado 2023, que resultó ser un año fértil en novedades y calidad.

 Hacía tiempo que el cine francés no producía una película tan soberbia, desacomplejada y profunda.

La directora es la joven de 45 años Justine Triet , actriz, guionista y directora francesa, que ya ha dirigido ocho títulos.

El guion esta coescrito con su marido Arthur Harari, también actor, guionista y director, de una familia de actores.

La fotografía es de Simon Beaufils.

Las interpretaciones son brillantes y llenas de matices, en especial Sandra Hüller  en su papel de Sandra (esposa, madre y bisexual) y Milo Machado, en su papel de Daniel, como hijo ciego. La interpretación de Milo es, sin duda, una de las grandes bazas de este film; muy acertada, contenida y, a la vez, dramática.

 El casting es acertadísimo, cosa poco frecuente hoy en día: además de los personajes principales, observar lo acertado de la actriz que interpreta a la jueza.

 La película ganó la Palma de Oro en Cannes.

Sinopsis: Una pareja de escritores, ella con éxito y el fracasado, viven con su hijo ciego en una buena casa aislada en los Alpes franceses.

Samuel, el marido, aparece muerto, después de caer desde la segunda planta donde tiene su estudio. Esto sucede después de un incidente el día anterior entre la mujer y una joven estudiante.

Aparentemente existen muchas dudas sobre si lo ocurrido ha sido un suicidio o un asesinato.

La mujer es juzgada y deberá defenderse de la agresiva estrategia del fiscal, que la acusa de la muerte de su marido. Hay muchos indicios en su contra.

 No conviene contar mucho ni dar muchas claves. En mi opinión, el juicio y el desarrollo de la historia están llenos de matices, sutilezas y aristas que conviene disfrutar visionando la historia, sin despistarse para no perder detalle.

anatomia dunha caida
anatomie d'une chute

En la película hay un perro que tiene una importancia fundamental en el desarrollo de la trama: hasta él lo hace bien, sin duda un mérito de la directora Justine.

 Como decía antes, conviene ir al cine, relajarse, dejarse llevar por las imágenes, en un paraje muy bello, nevado, frío y que la temperatura nos vaya subiendo por dentro, sin darnos cuenta, removiendo nuestras entrañas, cuestionando nuestros prejuicios, descubriendo los entresijos de un por qué y, finalmente, haciéndose la luz. Recomendable ir a ver la película con la pareja o con amigos y luego comentarla, mientras se toma una caña o un vino y se reflexiona sobre lo acontecido poco antes en la sala de cine.  De la conversación puede que salgan aspectos y detalles que nos pasaron desapercibidos o interpretaciones de lo sucedido diferentes, según el carácter de cada persona, con mayor o menor intensidad.

 La película figura en muchas de las listas sobre mejores películas del 2023 y, en esta ocasión, no puedo estar más de acuerdo.

Jose Luis Vázquez

Jose Luis Vázquez

Escritor

Estudió Ciencias Económicas en la Universidad Central de Barcelona y cursó un máster en Dirección de Marketing en EADA.

Ha trabajado como directivo financiero y de logística en varias empresas de logística y alimentación.
Ha realizado numerosos viajes de aventura por los cinco continentes, ascendiendo montañas, conviviendo con tribus y cruzando ríos y mares.

Le encanta el cine, y los wésterns en particular.
Lector empedernido: novela, historia, ciencia y filosofía.
Cursó tres años de Narrativa y Novela en la prestigiosa Escola d’Escriptura del Ateneu de Barcelona.
Ha publicado dos libros: Clara y algo más, de cuentos, y La memoria en color, autobiográfico.
Barrabás el Sicario es su primera novela.

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Luna de Flores

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Planos largos por José Luis Vázquez

Planos largos por José Luis Vázquez

Mijail Kalatózov nació en 1903, en Tiflis, Georgia, luego Unión Soviética. En 1917 era un adolescente de 14 años que vio como triunfaba la Revolución Rusa. A los diecisiete años comenzó a trabajar en el cine revolucionario ruso en oficios varios, a veces como guionista y, a veces, como intérprete. Con 34 años terminó los estudios de Arte en Leningrado.

Hasta 1957, como casi todos los directores rusos, se dedicó a realizar trabajos propagandísticos. Ese año rodó “Cuando pasan las cigüeñas”. Ganó la Palma de Oro en Cannes al año siguiente y se convirtió en una celebridad.

En el año 1959 triunfó la revolución de Fidel Castro y el Che Guevara. La dictadura de Batista, al servicio de los americanos, fue sustituida por la dictadura de los Castro.

Cuando pasan las cigüeñas

En 1961 Castro descubre que es comunista y rompe con EEUU y se alía con la Unión Soviética.

 Los gobiernos cubano y ruso deciden rodar una película propagandística de la revolución cubana. Los rusos estaban, en aquel momento, vivamente interesados en exportar comunismo.

Le encargan el proyecto al director de moda y más famoso de la Unión Soviética: Mijail Kalatózov.

Kalatózov llegó a Cuba en 1962, mientras su gobierno estaba enviando misiles a Cuba para apuntar a EEUU, con la intención de familiarizarse con la realidad cubana y buscar localizaciones. Al año siguiente comenzó el rodaje que se prolongó por más de un año. Contó con todo el apoyo del gobierno de Fidel Castro.

El guion lo escribieron el cubano Enrique Pineda y el poeta soviético Yevgueni Yevtushenko . La música la compuso Carlos Fariñas y la fotografía fue de Sergei Urusevsky. La película se llamó “Soy Cuba” (I am Cuba)

soy cuba

Urusersky nació en 1908, tenía pues, cuando se rodó “Soy Cuba”, 55 años. Había sido también director de fotografía en “Cuando pasan las cigüeñas”. Antes había trabajado con Kalatózov en otras varias películas. Se conocían y compartían el gusto por la cámara subjetiva: hacer de la imagen algo activo, diferente.

 Fue un fracaso: en Cuba y en la Unión Soviética. Era poco revolucionaria, no hablaba del comunismo ni de sus bonanzas.

Martin Scorsese primero y, después, Francis Ford Coppola, la descubrieron y quedaron prendados. Hicieron lo posible para que llegase a la gente.

Kalatózov rodó su última película, “La Tienda Roja”, en 1969, una producción italo-soviética, con Sean Connery y Claudia Cardinale. 

En 1973 murió. Al año siguiente falleció Sergei Urusersky.

 ¿Qué llamó tanto la atención de Scorsese y de Coppola?

Desde luego que el guion no: es un topicazo, con unas historias y unos personajes estereotipados.

La tienda roja

A través de cuatro historias, durante dos horas y cuarto, se cuentan las razones que impulsaron a los cubanos a seguir a Fidel y finalmente a que triunfase la revolución.

  • La primera es la historia de María, novia de Ángel, frutero, que lleva una doble vida como Betty, prostituta que se vende en un club de alterne a los americanos.
  • Continúa con Pedro, un trabajador de la caña de azúcar, con dos hijos, que se queda sin tierra y sin casa cuando su jefe le vende su propiedad a la United Fruit, multinacional americana.
  • La tercera historia cuenta la peripecia de Enrique, un estudiante universitario que no se atreve a atentar contra el jefe de la policía cuando lo tiene a tiro y, luego, el policía, asesina a un compañero y acaba matándolo a él también.
  • La cuarta trata de un campesino con mujer y cuatro hijos al que bombardean y destruyen su casa. Acaba incorporándose a la guerrilla y entrando triunfante en la capital.

Personajes que son estereotipos, poco perfilados y melodramáticos. Un ritmo lento, unos personajes sin alma, traumatizados por la pobreza y la explotación. En blanco y negro. El color lo pone la música. 

Quizás, a Scorsese y Coppola, les llamó la atención la música, muy presente en toda la película. Protagonista de la historia.

Pero hay una cosa segura: la fotografía, la manera de conducir la cámara, las tomas largas y los travellings son sencillamente impresionantes. ¿A qué aficionado al cine no le puede gustar una maravilla como esa?

 La cámara en “Soy Cuba” tiene vida.

Es inquieta: sigue a Betty cuando baila. La envuelve y la acorrala

Es Inquisitiva: acompaña al americano que se acuesta con Betty cuando intenta abandonar la aldea donde esta vive. Se interesa por el paisaje y por el paisanaje. Desvela el entorno de la joven, sus condiciones de vida.

Enloquece: cuando Pedro, el trabajador de la caña de azúcar, se alegra.

Se relaja: cuando Pedro se refresca con el agua.

Es un pájaro que vuela, arriba y abajo, durante el entierro de Enrique. Durante su ascenso y descenso no pierde detalle de lo que sucede a su alrededor.

 La película comienza con la cámara sobrevolando el mar y entrando en tierra cubana, por encima de las palmeras agitadas por el viento. Palmeras y agua. Desde el aire, atraviesa la isla y vuelve a entrar en el mar, para luego girarse y ver en la costa el monumento a Cuba: Soy Cuba.

La película es una lección de como hacer una toma larga utilizando el travelling. En sus dos versiones.

  • Como plano descriptivo: mostrando el entorno de los personajes
  • Como plano de acompañamiento: siguiendo al personaje.

Sergei Urusersky encontró en Mijail Kalatózov el jefe perfecto para que le dejase emplear la cámara subjetiva y moverla a su antojo.

 En la película hay detalles técnicos y artísticos nada despreciables.

El puticlub donde baila Betty (Maria) con el americano, tiene en el centro de la pista una gran escultura africana en madera. Metáfora del origen africano de Betty. Sus antepasados eran esclavos y ahora ella se ha de prostituir.

La idea de contraste entre la opulencia de los explotadores y del pueblo explotado queda bien plasmada: La Habana aparece como una ciudad de grandes edificios, cuadrados, impolutos, donde viven, hacen negocios y corrompen los americanos. Las aldeas donde viven las gentes del pueblo que explotan en la ciudad, son marginales, pobres, sin servicios elementales.

Mientras Fidel Castro desembarca en la isla camino de Sierra Maestra, los diarios de la capital publican en primera página que Fidel ha muerto. Las fake al servicio de la desinformación política, tan presentes en este momento, ya eran frecuentes en los años 70.

 “Soy Cuba” es un buen trabajo de técnica cinematográfica y una buena muestra para entender la parábola de la revolución cubana (o de la nicaragüense: que le pregunten a Ortega). Fidel hizo la revolución para acabar con la prostitución y con la pobreza. Hoy, 64 años después, en Cuba hay más prostitución y la pobreza es la misma.

El pueblo volverá a sublevarse.

Jose Luis Vázquez

Jose Luis Vázquez

Escritor

Estudió Ciencias Económicas en la Universidad Central de Barcelona y cursó un máster en Dirección de Marketing en EADA.

Ha trabajado como directivo financiero y de logística en varias empresas de logística y alimentación.
Ha realizado numerosos viajes de aventura por los cinco continentes, ascendiendo montañas, conviviendo con tribus y cruzando ríos y mares.

Le encanta el cine, y los wésterns en particular.
Lector empedernido: novela, historia, ciencia y filosofía.
Cursó tres años de Narrativa y Novela en la prestigiosa Escola d’Escriptura del Ateneu de Barcelona.
Ha publicado dos libros: Clara y algo más, de cuentos, y La memoria en color, autobiográfico.
Barrabás el Sicario es su primera novela.

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O Corno

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O corno por José Luis Vázquez

O corno por José Luis Vázquez

De como Santa María descendió́ del cielo a una iglesia, ante todo el mundo, y curó a cuantos enfermos había allí́ aquejados del fuego de San Marcial

La Virgen nos da la salud y nos quita el mal: / tantas virtudes espirituales tiene en sí.

Por eso quiero contaros, / entre estos milagros suyos, / otro muy grande y espectacular / que esta madre de Dios / hizo, que no pueden contradecir los judíos, / ni los herejes, aunque quieran decir lo contrario. / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Esto sucedió́ en Francia, / no hace mucho tiempo, / cuando a los hombres por los errores / cometidos, Dios les envió́ / como divina desgracia, / este fuego que llaman de San Marcial35. / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Y gritando y gimiendo / se hacían llevar / enseguida a Soissons / para poder recobrar la salud, / creyendo que así́ se curarían / gracias a la Virgen que auxilia a los que sufren. / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Y aquella enfermedad, por lo que supe, / era de naturaleza tal / que primero los atacaba con frio / y después / ardían como con fuego, y así́ / todos sufrían un dolor de muerte, / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Pues los miembros se les caían / y no había manera de que / pudiesen comer ni dormir / ni mantenerse en pie / y todos preferían morir / que sufrir un dolor tan descomunal. / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Por eso una noche sucedió́ / que les parecía que / una luz muy fuerte del cielo venía / y entonces descendía / Santa María, y la tierra tembló́ / cuando llegó la Señora Celestial. / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Y la gente, tal miedo / cogió́ que empezaron / a escapar, y no despacio, / sino corriendo lo más que podían, / y Ella hizo que se curasen los enfermos / como señora que en las penalidades no defrauda / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

A quien la llama confiando / en su piadosa bondad, / porque Ella siempre acude / cuando entiende que debe hacerlo. / Por eso a aquellos enfermos nada / les quedó del fuego, ni siquiera una marca. / La Virgen nos da la salud y nos quita el mal…

Esta cantiga del siglo XIII, nos habla del Fuego de San Marcial, o fuego de San Antonio, o fuego del Infierno, una enfermedad provocada por “o corno”: el ergotismo.

O corno, hongo clavicops purpurea, crece en las espigas del centeno, también del trigo, de la avena o de la cebada. Su nombre le viene de la forma alargada, como un cuerno, de color negro.

Se utilizó para detener hemorragias uterinas tras el parto, para inducir abortos o para sintetizar drogas. Es un derivado de la ergotina.

Claviceps_purpurea

O corno, es una película de este año, 2023, coproducción hispano-portuguesa-belga, ganadora de la Concha de Oro del Festival de Cine de San Sebastián. Era la primera vez que una directora española lo ganaba.

Con guion y dirección de Jaione Camborda, nacida en 1983, en San Sebastián, cuya anterior película “Arima”, se pudo ver en 2019 y era una historia de misterio sobre cuatro mujeres y dos forasteros.

La fotografía, importante en esta película, es de Rui Poças, nacido en Oporto, 1966, y con una larga trayectoria de trabajos en el cine.

El personaje principal es María, mariscadora y partera, protagonizado por Janet Novás

Otros personajes están interpretados por Nuria Lestegás (Mabel), Diego Anido  (Juan), Julia Gómez (Carmen), Siobhan Fernándes (Anabel) y Carla Rivas (Luisa), entre otros.

Jaione Camborda
o corno

O corno es una película de río y de frontera. Los diálogos son en galego y portugués.

 La acción comienza en la Illa de Arousa, en el año 1971. En ese año la isla todavía estaba separada del continente, el puente que uniría la una con el otro no se inauguró hasta 1985. En ese mismo año, se inauguró la delegación de TVE en Galicia. Los habitantes de la isla vivían de la pesca, el cultivo del mejillón y el marisqueo. Gobernaba Franco y Galicia era tercermundista, apegada a las tradiciones y las supersticiones.

¿De qué va la película?

La vagina de la mujer es la puerta de la vida, de la muerte, del deseo y del placer. Esta realidad es el origen de todas las alegrías y desgracias para las mujeres y, también, el pegamento común de su solidaridad y acompañamiento.

Los hombres son ajenos a todo esto, rehúyen la realidad, se esconden de ella, como si todo sucediese al margen de ellos.

Las mujeres son madres, trabajadoras, cuidadoras, esforzadas, protectoras, sufridoras y generosas.

Ellos son autoritarios, fríos, guardias civiles, contrabandistas, puteros y, cuando las cosas se ponen mal, cabrones, es decir, cobardes. Va de todo esto.

 ¿Qué cuenta?

Nos habla de Maria, una partera, que por un suceso que ahora no desvelaremos, se ve obligada a huir de la Illa de Arousa a Portugal por caminos de contrabandistas, esquivando peligros, dominando el miedo.

Todo comienza y todo acaba con un parto. Con una madre dando lugar a la vida.

Es una película austera, incardinada en lo rural gallego, con mar, rio y verde, de ritmo lento, para mi gusto, demasiado, en algunas escenas. Pocos diálogos, mucho gesto e ideal para que el director de la fotografía se luzca.

 Es, como parece que ha quedado claro, una película de mujeres: dirigida por una mujer, interpretada por una mujer y con una historia sobre mujeres. Galicia, en este caso, es más femenina que nunca: a mar, a casa, a paisaxe, as xentes e as miradas.

fotograma o corno

 Es una película muy recomendable (casi de visión obligatoria) para todos los jóvenes. Por varios motivos, pero destacaría dos:

  • Para atisbar el cambio tremebundo que ha sufrido Galicia en los últimos 50 años.
  • Para reflexionar sobre el papel de ellas y nosotros: la inexorable necesidad de que unas y otros nos acerquemos con empatía, nos veamos como iguales y nos estimemos con honestidad.
Jose Luis Vázquez

Jose Luis Vázquez

Escritor

Estudió Ciencias Económicas en la Universidad Central de Barcelona y cursó un máster en Dirección de Marketing en EADA.

Ha trabajado como directivo financiero y de logística en varias empresas de logística y alimentación.
Ha realizado numerosos viajes de aventura por los cinco continentes, ascendiendo montañas, conviviendo con tribus y cruzando ríos y mares.

Le encanta el cine, y los wésterns en particular.
Lector empedernido: novela, historia, ciencia y filosofía.
Cursó tres años de Narrativa y Novela en la prestigiosa Escola d’Escriptura del Ateneu de Barcelona.
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Entrevista

El poder curativo del cine

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IKTAN, El curandero Maya por José Luis Vázquez

IKTAN, El curandero Maya por José Luis Vázquez

En el año 2019 llegó a los cines una película del joven director guatemalteco Jayro Bustamante, de la cual también fue guionista, titulada LA LLORONA

Protagonizada en el papel de Alma por María Mercedes Coroy. Una joven actriz de 29 años que pudo acabar sus estudios primarios gracias al Plan de Alfabetización de Guatemala.

Fue premiado el director en el Festival de Venecia. La película obtuvo un Goya como mejor película Iberoamericana y fue nominada a muchos otros premios.

La llorona

El guion de la película, encuadrada en el cine de terror (incomprensible), se basa en la leyenda de La Llorona: una mujer que ahoga a sus hijos y su alma, arrepentida, los busca llorando de noche. En el fondo trata el caso de un general que resulta condenado por crímenes de lesa humanidad por un genocidio cometido en una zona rural de Guatemala, aunque finalmente queda libre al declararse el juicio nulo. Calcado con lo que pasó con el general Efraín Ríos Montt, un personaje real, de carne y hueso, militar y dictador de Guatemala. Él sí que protagonizó una dictadura del terror, un genocidio contra el pueblo maya.

 En la película aparece como extra en el juicio la activista y premio nobel de la paz Rigoberta Menchú

 Los diálogos son en castellano y en lengua maya.

La Llorona fue patrocinada por instituciones francesas que, además, condecoraron a la actriz María Mercedes Coroy.

 Jayro Bustamante, formado en Paris y Roma, es autor de una trilogía de películas de la que La Llorona es la tercera.

  • Ixcanul: plantea la situación de los indígenas en Guatemala. La actriz también fue María Mercedes Coroy
  • Temblores: sobre la homofobia y el machismo en la sociedad guatemalteca
  • La Llorona: sobre los derechos humanos.
Ixcanul
Temblores

La Llorona es una película oscura, trágica, incómoda, que habla de impunidad, que solivianta, pegada a la realidad y necesaria. Es un cine más pausado, más reflexivo y menos estridente que a lo que nos tiene acostumbrado Hollywood.

 El cine guatemalteco es poco conocido y como también es desconocida la desgraciada historia reciente de Guatemala, un pueblo de exuberantes paisajes, volcanes, lagos, mercados y descendientes mayas.

 El 20 de agosto se celebró la segunda vuelta de las elecciones presidenciales en Guatemala, resultando ganador, de forma sorprendente e inesperada, el sociólogo, diplomático, progresista y miembro del Movimiento Semilla, Bernardo Arévalo,   que obtuvo el 58% de los votos. Su rival, la ex primera dama Sandra Torres  (Unidad Nacional de la Esperanza), se tuvo que conformar con el 37% de los votos, a pesar de salir como favorita. Un día histórico para Guatemala, para los indígenas, para la gente decente y para todos aquellos que creen que el futuro se ha de construir sobre la justicia.

No lo tendrá fácil Bernardo Arévalo, los retos que debe enfrentar son enormes. Las familias que durante décadas se han repartido el pastel, utilizando cuando hizo falta todos los recursos de un estado militarizado, ya intentaron boicotear la segunda vuelta de las elecciones y, a buen seguro, preparan todos los palos posibles para ponerlos a las ruedas del cambio que necesita Guatemala. De momento, Arévalo ha denunciado dos intentos de asesinato y Sandra Torres lo acusa de fraude electoral.

Si alguien está interesado en saber algo más sobre Sandra Torres, el presidente saliente Alejandro Giammattei, la política de Guatemala y su historia reciente o la situación del pueblo maya, recomiendo la lectura de la novela del escritor José Luis Vázquez que acaba de salir: “IKTAN, el Curandero Maya” (Editorial Avant). No solo hay aventura, suspense, amor, amistad, política e intriga. También hay dos protagonistas: uno catalán y otro gallego, los dos en Guatemala por motivos muy diferentes. Podría dar para una estupenda película: ¡quién sabe!

Iktan
Jose Luis Vázquez

Jose Luis Vázquez

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Estudió Ciencias Económicas en la Universidad Central de Barcelona y cursó un máster en Dirección de Marketing en EADA.

Ha trabajado como directivo financiero y de logística en varias empresas de logística y alimentación.
Ha realizado numerosos viajes de aventura por los cinco continentes, ascendiendo montañas, conviviendo con tribus y cruzando ríos y mares.

Le encanta el cine, y los wésterns en particular.
Lector empedernido: novela, historia, ciencia y filosofía.
Cursó tres años de Narrativa y Novela en la prestigiosa Escola d’Escriptura del Ateneu de Barcelona.
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El poder curativo del cine por José Luis Vázquez

El poder curativo del cine por José Luis Vázquez

En 1981 hacía dos años que Margaret Thatcher era primera ministra de Gran Bretaña. Lo fue hasta 1990.

Gobernó con mano de hierro. Aplicó políticas liberales y de privatización de empresas estatales, educación y servicios sociales. Desregularizó el sector financiero. Minó el poder de los sindicatos.

Durante su mandato se incrementaron las tensiones raciales. Sus políticas antimigratorias fueron de tal calado que desapareció el Frente Nacional, el partido de los fascistas creado en 1967: se quedó con sus votos.

Anticomunista, aliada de Reagan, antieuropea, en 1982 hizo la guerra de las Malvinas con Argentina.

Con ella llegaron todos los males que años después explosionarían: la crisis financiera del 2008, el aumento de la pobreza y el Brexit.

el imperio de la luz

En 1981 Sam Mendes  tenía dieciséis años y su madre, la novelista Valerie Helene Mendes, de origen judío, tenía 42 años. Algunas de las experiencias de ella parece que han servido a su hijo único para escribir el guion de la película Empire of Light (El Imperio de la Luz).

El padre de Sam Mendes es Jameson Mendes, oriundo de Trinidad y Tobago, profesor universitario.

Empire of Light, una película de 2022, del Reino Unido, acaba de estrenarse. Con guion y dirección de Sam Mendes, fotografía de Roger Deakins  y música de Trent Reznar y Atticus Ros. Rodada en la pequeña población de Margate, en la costa del sur de Inglaterra, en el cine Dreamland, al que transformaron en Empire Cinema.

La encargada del cine es una mujer madura, soltera, con problemas mentales, llamada Hillary, interpretada por la extraordinaria Olivia Colman. A la plantilla del cine se incorpora un joven negro, Stephen (interpretado por Micheal Ward ), que ha sido rechazado para estudiar arquitectura en la universidad, desencantado con el ambiente opresivo de la pequeña ciudad y acosado por el color de su piel. Entre los dos surge una fuerte atracción.

A los dos protagonistas de la historia les rodean otros, cada uno de ellos arrastrando sus propias dificultades emocionales y vitales.

El cine, en 1981, todavía era un templo: el edificio más alto de la pequeña ciudad costera, con grandes neones, una entrada palaciega, un gran telón cubriendo la pantalla, grandes lámparas y butacas rojas. Los espectadores entraban en silencio, subían las escaleras hasta la sala, se sentaban y esperaban ansiosos que la luz atravesase la oscuridad y les revelase la verdad: una historia que los transportaba a otros mundos. Pero estos edificios sagrados habían comenzado su decadencia. En el Empire Cinema, años antes, había cuatro salas de proyección en lugar de una y tenía una magnífica terraza en el ático, ahora abandonada y ocupada por las palomas.

A principios de 1982, la premiere de la película Carros de Fuego en el Empire Cinema congregó al alcalde de la ciudad, a otras celebridades y llenó la sala a rebosar. En ocasiones, todavía el templo podía llenarse.

 El proyeccionista era el sacerdote, encerrado en su sacristía, rodeado de rollos y rollos de celuloide que iba colocando en los proyectores y permanecía atento a que el haz de luz atravesase la sala y rebotase convenientemente en la blanca pantalla. Era poseedor de técnicas y saberes únicos, recibidos de otros en su juventud y mejorados con la experiencia. En la película Empire of Light , el proyeccionista es Norman, interpretado por el siempre eficaz Toby Jones.

Norman alecciona a Stephen, introduciéndole en sus secretos, haciéndole amar el cine, y aconseja a Hillary, para curar sus heridas emocionales viendo cine.

La amistad entre Hillary y Stephen revela un poder curativo por encima de convenciones, edades y dificultades. Como en el cine. En la sala del Empire todos se igualan y todos disfrutan, juntos y en silencio: ricos y pobres, mujeres y hombres, jóvenes y viejos.

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1917

Sam Mendes ha dirigido películas como American Beauty, Camino a la perdición, Jarhead, Revolutionary Road, Skyfall, Spectre y 1917.

La temática de sus películas es muy variada, se atreve con casi todo. Exige del espectador una cierta formación, un conocimiento de la historia y de la actualidad. Hay tantos aspectos y sutilezas en sus películas (Empire of Light es un buen ejemplo de ello), que el espectador indocumentado puede quedarse en la superficie, en lo aparente, y no disfrutar lo que podría. Sucede incluso entre los críticos. A pesar de que la película ya ha recibido varios reconocimientos, entre ellos la candidatura al Oscar a mejor actriz de Olivia Colman, las críticas no han sido muy favorables en general.

Carlos Boyero, por ejemplo, ha dicho que no le resultó apasionante y no le regaló verdaderas emociones. Le resultó curiosa y, a ratos, intrigante. Bueno…

Si le hubiese resultado apasionante, emocionante, curiosa e intrigante, todo a la vez, sería la mejor película de la historia y esa, probablemente, todavía no se ha rodado.

La película, a mí, me atrapó, me hizo reflexionar, a ratos me removió por dentro, me relajó y me sanó: casi dos horas de auténtico y genuino cine.

 Dos grandes de la industria, como Spielberg y Mendes, el mismo año, nos aportan su reflexión sobre el cine. Sin duda no es casualidad: el cine, como templo, como sanador, está definitivamente en decadencia.

Netflix y otras plataformas han reducido las historias cinematográficas a un producto de consumo masivo, casero, introvertido, superficial, adictivo e inofensivo. Sin magia, sin glamour, sin trascendencia.

 Al salir del cine, como al salir de la iglesia, más allá del consuelo pasajero, del alivio temporal, los espectadores tendrán que enfrentarse a la vida, a la realidad, al destino y a la toma de decisiones, pero lo harán reconfortados. Esto mismo sucederá con Hillary y con Stephen, pero para saber que sucede debéis ir al cine y ver la película.

La vi, la película, un viernes por la tarde, a las 20:30 horas, solo con mi pareja, en una sala para 144 espectadores. No es un cine cualquiera. Es el cine de Ernesto Romero. Es el cine de Leiro.

Ernesto Romero comenzó a trabajar en el cine Principal de Leiro cuando solo tenía 15 años. En el pueblo hubo cine desde 1928, primero el Avia y luego el Principal. Ernesto marchó a Vigo y, con 16 años, trabajó de proyeccionista en el cine Garcia Borbón.

Su amor por el cine, le llevó a construir una sala en su casa hace 40 años. Entonces Leiro tenía 3.000 habitantes, hoy solo quedan la mitad, como en muchos otros pueblos y aldeas de Galicia.

Ernesto es el Norman del Empire of Light de Leiro. Merece un monumento.

 Abril 2023

José Luis Vázquez

Jose Luis Vázquez

Jose Luis Vázquez

Escritor

Estudió Ciencias Económicas en la Universidad Central de Barcelona y cursó un máster en Dirección de Marketing en EADA.

Ha trabajado como directivo financiero y de logística en varias empresas de logística y alimentación.
Ha realizado numerosos viajes de aventura por los cinco continentes, ascendiendo montañas, conviviendo con tribus y cruzando ríos y mares.

Le encanta el cine, y los wésterns en particular.
Lector empedernido: novela, historia, ciencia y filosofía.
Cursó tres años de Narrativa y Novela en la prestigiosa Escola d’Escriptura del Ateneu de Barcelona.
Ha publicado dos libros: Clara y algo más, de cuentos, y La memoria en color, autobiográfico.
Barrabás el Sicario es su primera novela.

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